Oscar Peterson

Ha muerto el legendario pianista de jazz canadiense, Oscar Peterson, falleció el día 23 pero recién me enteré. La noticia me deja muy triste, se va otra de las leyendas vivas del jazz.



Poseedor de una técnica formidable que le dejaba hacer todo lo que quisiera en el piano y una imaginación y expresión tremendas que le daban magia a todo lo que hacía, Oscar Peterson fue una de las figuras definitorias del jazz actual. Parecía que toda forma de jazz estaba a sus pies, sólo nunca hizo free, actuó junto a multitud de jazzistas importantes como Ray Brown, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Clark Terry, Joe Pass, Count Basie, y otros tantos. Su inventividad melódica es inconfundible y pianistas como Keith Jarret y Chick Corea deben mucho a su estilo, de igual manera el formato y tradición del trío de jazz a sus legendarios tríos.
Descanse en Paz.

Dejo aquí un video de Peterson genialísimo en compañia de otro grande, Joe Pas. Maravillense.

Las cosas que me gustarían para esta temporada y nadie me va a regalar

Un arco nuevo de pernambuco

Chocolates

Ipod Nuevo del que sea

Un vino tinto


Este disco que quiero tanto y simplemente no he podido conseguir

John Coltrane con Eric Dolphy


Un poster de Monet o Pollock para mi cuarto

Música Clasica... para conocedores. Un par de cd´s de la Deutsche Grammophon no caen mal.

Schubert con el cuarteto italiano

Papel sabor platano o menta




Ahhhh y mucho dinero que me hace falta Cello nuevo....

Chick Corea Elektric City

O porque los jazzistas no deben grabar videoclips.
Sí, la elektric band de Corea me encanta y me parece muy interesante (no su mejor proyecto) pero este tipo de cosas me hacen agradecer que no viví en los ochentas. Sólo miren al par de negros bailarines o el peinado de Patitucci... o la camisa de Chick

Dejo el link porque youtube no me deja pegar el video

Elektric City

después de verlo no he podido escuchar aquél cd con las mismas orejas...

Charles Mingus

"Yo soy tres. Un hombre que permanece siempre en medio, despreocupado, inmóvil, observando, esperando a que le sea permitido expresar lo que ve a los otros dos. El segundo hombre es como un animal asustado que ataca por miedo a ser atacado. Luego está la persona extremadamente cariñosa y amable que admite a la gente en el templo más sagrado de su ser y soporta los insultos y es confiado y firma los contratos sin leerlos y le enredan para que trabaje barato o por nada y, cuando se da cuenta de lo que le han hecho, siente ganas de matar y de destruirlo todo, incluso a sí mismo."

Phillip Glass

Este es un boceto para un ensayo que tenía planeado sobre compositores norteamericanos minimalistas. En el ensayo quería plantear la pregunta/tesis sobre la posibilidad de una estética musical con el silencio como principal ingrediente. Pero se me fue el tiempo y terminé entregando un pequeño texto sobre Phillip Glass. Aquí se los dejo, y debo el otro que planeo será un poco más interesante.

Phillip Glass

Creando el minimalismo musical desde las tuberías

Una de tantas cosas a admirar de los grandes compositores es la capacidad de crear en cualquier lugar y a cualquier tiempo, donde sea que se llegue a manifestar, la llamada inspiración o necesidad de crear. Si en la época decimonónica el compositor se ideaba como un personaje apacible que salia al campo por inspiración y podía escribir su música sentado apaciblemente en algún pasto, escuchando la música en su cabeza, el siglo XX ha enfrentado a los compositores de avanzada con el tener que idear su música teniendo que hacer cosas tales como manejar un taxi de la ciudad de Nueva York o navegar sus tuberías. Tal es el caso de Philip Glass y en menor medida de Steve Reich, creadores minimalistas americanos importantes de finales del siglo XX.

Philip Glass nació el 31 de enero de 1937 en Baltimore EU, nieto de inmigrantes judios de Lituania. Fue un niño precoz y pasó gran parte de su infancia en el negocio de padre, una tienda de discos, donde empezó su colección haciéndose de los discos que no se vendían y gracias al desinterés de la gente por la modernidad de aquel entonces pudo conocer a compositores tales como Paul Hindemith, Dimitri Shostakovich, Sergei Prokofiev, Erik Satie y otros, junto con la tradición occidental más conocida. En cuanto a estudios musicales empezó con la flauta en su ciudad natal para luego ir a la Julliard School of Music y después tener como maestros de composición a personajes como Darius Milhaud o Nadia Boulanger. Con quienes estudio de forma más tradicional para dedicarse después al minimalismo. Uno de los momentos más significativos en su carrera temprana fue cuando, durante el tiempo que estudiaba en París con Boulanger, conoció la corriente serialista de Pierre Boulez y decidió que el serialismo le parecía música mecánica y fría por lo que volcó su energía en lo que siempre ha sido una de las motivaciones más constantes de su carrera. Crear nueva música a la que el común de la gente pueda acercarse.

A su regreso Philip Glass fue una figura importante de la escena minimalista de Estados Unidos. Fundó un ensamble con otros músicos tales como Steve Reich, además de artistas visuales que compartían intereses parecidos. Muchas de las primeras presentaciones de música de Philip Glass tuvieron lugar en galerías de arte y no en salas de conciertos. En 1975 terminó “Einsten on the beach” ópera de su primer trilogía después completada por “Satyagraha” (1980) y “Aknahaten” (1983-1984) que le valieron el reconocimiento merecido. También en esta época Glass trabajo primero como taxista, luego plomero y además tuvo una compañía de mudanzas junto con Steve Reich para poder mantenerse económicamente. Después contaría con buen humor la risa que le produjo cuando una señorita de buena sociedad que subió a su Taxi, al ver su carnet de identificación le dijo: “señor usted no me va a creer pero se llama igual que un gran compositor de ópera contemporánea”

La obra de Philip Glass se distingue por el uso de recursos melódicos y armónicos de gran sencillez y por el predominio del ritmo, como la de gran parte de la corriente minimalista, sin embargo el mismo Glass ha dicho que no le gusta ser tomado por un compositor minimalista sino como un empleador del leit motif hasta sus extremos. Esto es, el uso de un motivo que se desarrolla a lo largo de toda la obra, Glass usa este recurso como el motor principal de sus composiciones haciendo que toda una pieza esté estructurada alrededor de motivos sencillos con variaciones ligeras y poco perceptibles, lo que le da gran parte de su sello característico y por otra parte hace que la escucha atenta sea la que más retribuye al oyente, además de hacer sufrir a los intérpretes de vez en cuando. Memorables son las anécdotas que pueden leerse en algunos libros de su autoría en las que cuenta como un solo tema suyo podía dar lugar a sesiones con otros músicos que duraban toda la noche.

En la actualidad Philip Glass ha sido reconocido como una de las voces más influyentes de la segunda mitad del siglo XX y músicos de todos generos han reconocido su influencia. Entre ellos músicos de Rock como Brian Eno, compositores para película como Danny Elfman, y algunos compositores serios. Ha colaborado con músicos tan dispares como el Kronos Kuartet, Ravi Shankar (a quien cita como una gran influencia), Aphex Twin entre muchos otros. Philip Glass ahora produce principalmente música para películas, además de hacerse cargo de su disquera POINT music y su estudio de grabación frecuentado por artistas del pop como Björk, David Bowie, Patti Smith y Lou Reed, entre muchos otros. Una de las cosas más interesantes de Glass está en haber influenciado como compositor serio el sonido de la música popular de estos tiempos. Y sí un poco el haber acercado el sonido contemporáneo al común de la gente.

Jornada del artista, por Erik Satie

Aquí tienen el horario detallado de mis actividades diarias:

Me levanto a las 7:18; estoy inspirado de 10:23 a 11:47.

Almuerzo a las 12:11 y me levanto de la mesa a las 12:14.

Saludable paseo a caballo, en el fondo del parque de 13:19 a 14:53. Otra inspiración de 15:12 a 16:07.

Ocupaciones diversas (esgrima, reflexiones, inmovilidad, visitas, contemplación, destreza, natación, etc.), de 16:21 a 18:47.

La cena se sirve a las 19:16 y se termina a las 19:20. A continuación, lecturas sinfónicas en voz alta: de 20:09 a 21:59.

Me acuesto normalmente a las 23:37. Una vez por semana, despierto sobresaltado a las 3:19 (los martes).

Sólo como alimentos blancos: huevos, azúcar, huesos rallados; grasa de animales muertos; ternera, sal, coco, pollo cocido en agua blanca; mohos de fruta, arroz, nabos; morcilla alcanforada, pastas, queso (blanco), ensalada de algodón y algunos pescados (sin piel).

Me hiervo el vino, que bebo frío con jugo. Tengo apetito; pero no hablo nunca comiendo, por miedo a atragantarme.

Respiro con cuidado (poco cada vez). Bailo muy raras veces. Cuando ando voy por los lados y miro fijamente atrás.

Muy serio de aspecto, si me río es sin querer. Por eso siempre me disculpo y con educación.

Sólo duermo con un ojo; tengo un sueño muy duro. Mi cama es redonda y perforada por un agujero para que pase la cabeza. Cada hora, un criado me toma la temperatura y me pone otra.

Desde hace tiempo estoy abonado a una revista de moda. Llevo un gorro blanco, medias blancas y un chaleco blanco.

El médico me ha dicho siempre que fume. A sus consejos añade: "Fume, amigo. Si no, otro fumará en su lugar"

There´ll never be another you

Nunca me había sabido tan melancólico un estándar de jazz como justo ahora. No sé si sean los acordes que le caben a tan pequeña pieza, la música de Harry Warren, o las palabras que parecen tomar más fuerza cuando ni siquiera se mencionan. De cualquier forma, improvisar líneas de bajo nunca me había dejado con tal sentimiento. Como suelo decir a veces, a la hora de improvisar uno se descubre totalmente. Ahora me parece tan cierto. Como también me parece tan cierto el título de este estándar. No habrá nunca… así como esos momentos de música improvisada no volverán a repetirse.

Sugerencia

"Intenta Sacándote el saxofón de la boca"



Miles Davis a John Coltrane cuando este le dijo que sus solos eran tan largos porque no sabía cómo parar.

Este mes en mi Ipod

Pues sí, esto lo debía desde hace mucho, pero no había podido. He aquí una muestra de lo que cargo conmigo este mes. En la calle, en el carro en la escuela y donde sea. Hay más, claro! pero esto es lo más destacado.

Chick Corea Elektric Band

Hard-Bop o Post-Bop del mejor. La elektric Band es una de las cosas más interesantes que ha hecho Corea para mi gusto y eso ya es decir mucho. Músicos sidemans fregones, composiciones geniales, y un Corea prendidísimo detrás de una montaña de teclados y sintetizadores. Alucinante ¡Gracias Cristi por pasarme uno de sus discazos!

Herbie Hancock – Gershwin´s World

Un disco del que deberé escribir más profundamente después. Por ahora solo diré que es uno de los discos más importantes de Herbie Hancock y de Jazz de los últimos meses. En él, Hancock rinde tributo a Gershwin de la mejor manera posible. Al lado de estándares de Gershwin y otros jazzistas de época se pueden escuchar cosas como la memorable interpretación del concierto para piano en Sol de Maurice Ravel por el mismo Hancock.

Johannes Brahms - Sexteto Op.18 y Quinteto Op. 34

La música de cámara de Brahms siempre me ha parecido de una belleza indescriptible. Estas obras en especial son obras maestras entre lo que es una producción deslumbrante.

John Coltrane - Lush Life

Un disco clásico de Coltrane que destila melancolía. Cuatro estándares y un blues, todos tratados con maestría. En las tres primeras piezas Coltrane toca con un combo que no volvería a repetir; Bajo y Batería sin piano, memorable. Y La recreación del estándar “Lush Life” soberbia y conmovedora

The Arcade Fire

Simplemente Rock Indie, Art-Rock o como se diga del bueno. Una banda interesante y diferente a las cosas comerciales que se hacen hoy día en el rockcito. Buenos arreglos, canciones bien armadas y producidas, letras inteligentes y además son de Montreal Canadá y tienen muy buenas rolitas cantadas en francés. Ya quiero que vengan a México para ir a verlos.

Art Pepper, Saxofonista de Jazz

Ascendiendo la colina de Fargo Street

En el Jazz, concretamente en la historia del jazz (y más concretamente en aquella que tiene lugar entre los años 50´s y 60´s,) existen personajes cuya fama ha quedado fundada en algunos acontecimientos que vendrían a ser tal vez sus momentos centrales para la percepción del público. Por ejemplo la sesión de grabación de “Lover man” de Charlie Parker en la que este sufrió un colapso nervioso y uno raro por extramusical que ha quedado plasmado en una imagen: Art Pepper, Saxofonista, ascendiendo una colina cerca de su casa en los Angeles en fotografía de William Claxton.

Art Pepper fue un músico de jazz que se distinguió como uno de los mejores saxofonistas de raza blanca en un momento en que las distinciones entre razas estaban muy en boga. Había quien decía que se podía distinguir la raza de un músico con escuchar como tocaba. Pepper tenía un estilo y un sonido únicos que quedarían fragmentados en dos etapas, con un registro muy claro entre ambas.

Art Pepper nace en Gardena, California en 1925. Aprende desde los 9 años el clarinete y luego el saxo alto, para los 15 o 16 ya esta tocando con orquestas profesionales y para los 17 se casa. Es un chico precoz a la manera de Parker y Davis. Las cosas parecían ir bien para Pepper hasta que es llamado a filas para servir en Inglaterra, de donde regresa en 1946. Debido a la depresión que le ocasiona el haberse ido justo cuando las cosas iban bien empieza a consumir drogas y a pasar un periodo de ociosidad y abandono hasta que es llamado por Stan Kenton, músico con el que participaría hasta 1952. Participa también en grabaciones junto a Shelly Manne, Shorty Rogers o Bob Cooper, y para el sello Discovery los primeros discos bajo su nombre. En esta época es cuando junto con la fama llegan las adicciones más fuertes y el principio de sus años difíciles. Pasará primero dos años en la prisión estatal de Los Angeles de donde sale apenas el tiempo suficiente para tocar un poco antes de volver a causa de una inspección policial en su casa. A su salida en 1956 es promocionado por la critica especializada como un notable regreso y es cuando graba discos geniales como “Art Pepper + eleven” (con 11 musicazos de la west coast) o “Meets the Rythm Section” y “Getting Together” con la sección rítmica de Miles Davis. Discos con el gran mérito en ese entoces de tener a un gran saxofonista blanco con una sección rítmica de músicos de color. Sin embargo, aunque Pepper pasa por momentos de gran inspiración artística, su estado de salud es frágil y su dependencia de las drogas es demasiado. Así como la de su esposa en ese entonces; Diane. Será ella quien lo denuncie por posesión de drogas para que Art Pepper caiga de 1961 a 1964 en St Quentin, la prisión más temida de USA. Art nunca se lo perdonará. A su salida contacta con sus amigos y vuelve a los escenarios, pero solo por menos de un año. Después de un concierto es arrestado de nuevo para volver a St Quentin hasta 1966, Diane muere por un cáncer el mismo año.

En los siguientes años pareciera que Pepper toca fondo; sin dinero con deudas, adicciones y enfermedades, apenas tiene dinero para comprar un saxo y fuerzas para tocarlo. Sin embargo, Art sigue y además preparara su regreso; uno de los regresos más espectaculares del Jazz. Ingresa en un centro de recuperación por 3 años, en los que conocerá a su nueva compañera: Laurie y se limpiará de drogas (no del todo pero sí lo suficiente) El apoyo de Laurie y otros amigos será crucial para Art, estos le consiguen un “decente” trabajo de oficinista y le ayudaran a recuperar la pasión por la música. Así, el l 9 de Agosto de 1975 de nuevo de la mano de Lester Köenig graba “Living Legend” para Contemporary.

Doug Ramsey comentaba a través de Radio Free Jazz de Washington a propósito de este disco:”Living Legend” – Art Pepper ha sabido dominar al monstruo. Es un hombre más fuerte y un artista más profundo que han salido victoriosos de este combate... El oyente de este disco escuchará mucha emoción concentrada, un grito, de pronto un lamento, de pronto una exclamación de alegría, frutos de la calma conseguida con la experiencia. En un sentido, es una música autobiográfica. El testamento de su vida."

Y tal vez lo fue. Una de las recuperaciones más increíbles del jazz resultó en discos excelentes y giras en la década de los 70´s. Un testimonio de la pasión por la música y la voluntad de seguir; como el que había quedado plasmado en la fotografía de Fargo Street años antes.
El 15 de Junio de 1982 tras una hemorragia cerebral y una semana en coma en el hospital, Muere Art Pepper

Gidon Kremer, Kremerata Báltica: 8 Estaciones

De este disco se pueden decir muchas cosas y tal vez yo no sea el más capacitado para decirlas.
Lo mismo de Gidon Kremer y de su Kremerata Báltica, respectivamente uno de los mejores violinistas del mundo, y una de las mejores orquestas de cámara del mundo, llamada así por reunir a jóvenes talentos de los países Bálticos y dirigida por Kremer mismo.

Baste por ahora decir que este disco me encantó, especialmente por la forma de estos músicos de abordar obras del repertorio que podrían pasar por muy típicas. Una interpretación innovadora que raya la perfección. Valen también la pena las interpretaciones de Kremer y su Camerata de las obras de Glass, Schnittke, Pärt y demás.

Este mes en mi ipod

La verdad no sé porque nunca se me había ocurrido hacer una sección de este estilo en el tiempo que llevo con el blog, será por falta de tiempo o por flojera simplemente. Bueno creo que esto servirá para compartir algo de mis gustos musicales (pueden ver algo tambien aquí: http://www.last.fm/user/IsmDvs ) y de alguna manera para darle vida al blog que andaba muertillo. En fin… también servirá para que la banda me siga diciendo que soy un tipo de veinte años con gustos musicales de uno de 40 ja! tal vez lo sea.

Ok. He aquí una muestra de las cosas que hay este mes en mi querido y modesto ipod nano.

Brad Mehldau

Un pianista de jazz que lleva tiempo haciendo lo que dice el titulo de uno de sus discos: “derregulating jazz” toca canciones de Radiohead y Nick Drake como si fueran clásicos standards de jazz. Además vale la pena escucharle por sus meritos como músico y por las veces que toca con el piano preparado. Todavía no he podido conseguir los discos de Metheny-Mehldau.

Claude Debussy

Me encanta la música de Debussy, entre mis favoritos. Entre lo que escucho ahora están los nocturnes con la Cleveland Orchestra conducida por Pierre Boulez.

György Ligeti

La sonata para viola sola. ¡Maestro Ligeti! Interpreta Garth Knox.

Jaga Jazzist

Este grupo es genial, acabo de descubrirlos hace poco aunque ya llevan tiempo tocando –tonto de mí- . La mezcla de electronica y otros sonidos con jazz es su sello. Este grupo de 10 músicos entre los que están un trombón, saxofones y un Fender Rhodes junto con djs hace cosas bastante interesantes. No sé si sea jazz, electronica, jazz experimental, avant-garde, o qué, pero me gusta.

Jeff Buckley – Grace

Un clásico de rock moderno. Simplemente una colección de canciones extremadamente bien hechas… y con un mood bastante triste.

Liquid Tension Experiment

De repente me gusta el rock duro y qué mejor que esto. Progresivo con cuatro músicos expertos en lo que hacen. John Petrucci, Jordan Ruddes y Mike Portnoy de Dream Theater con Tony Levin, bajista de king crimson

Pat Metheny Group – Travels

Un disco clásico de 1982, el primero en vivo con este Pat Metheny Group. Bastante bueno y disfrutable pero no para escuchar en una sentada.

Robert Schumann – Quinteto Op. 44

Uno de mis opus favoritos de Schumann, En una muy buena interpretación del Cuarteto Kodaly con Jeno Jando

México Nueva música para cuerdas, Cuarteto Arditti

Esta grabación del renombrado cuarteto Arditti es una bocanada de aire fresco para la música hecha en México. Algunas razones:

-El que la música sea toda de 6 compositores mexicanos nacidos entre 1957 y 1977
-El enorme prestigio del cuarteto Arditti en lo que a música contemporánea se refiere, si decidieron trabajar con estos compositores será por algo.
-Algunas de las composiciones del disco emplean elementos electrónicos bastante interesantes.
-El disco es consecuencia en gran parte al trabajo de “Radar” espacio de exploración sonora en México, enhorabuena.

La página de Radar: http://www.radarmx.org/

Pd.
Todavía no tengo original el cd, lo estoy consiguiendo.
Debo un comentario sobre el cuarteto Arditti.

Mujeres en la música

Esta vez la entrega de disonancias estuvo dedicada a algunas mujeres en la música con motivo del 8 de marzo. Espero les guste.

Mujeres en la música

Nadia Boulanger, Francia, 1887-1979

Astor Piazzola con Nadia Boulanger

Nadia Boulanger nace en París en una familia profundamente musical. Su madre era cantante y su padre profesor en el conservatorio de París, además su familia tenía relación con el compositor Gabriel Fauré, de quien fue alumna distinguida. A pesar de su natural talento Nadia dejó de componer en 1918, después de la muerte de su hermana Lili, también compositora. Aún así Nadia Boulanger fue una mujer con mucha presencia en la música. Su labor como directora de orquesta la llevo a dirigir en la década de los treintas orquestas de gran renombre como la Filarmónica de Londres y la orquesta filarmónica de Nueva York, siendo la primera mujer en hacerlo. Además su labor como pedagoga y maestra de composición la convirtió en una maestra de gran renombre y a tener entre sus estudiantes a algunos de los músicos más destacados del siglo XX, y de estilos tan dispares como Phillip Glass, compositor minimalista de vanguardia, Aaron Copland, norteamericano, Astor Piazzola, y Darius Milhaud entre otros muchos. Parte importante es que lejos de enseñar un método de componer, Boulanger se esforzaba por llevar a sus alumnos a descubrir su propio estilo. Una figura de influencia vital en la música del siglo XX.

Unsuk Chin, Corea, 1961

Compositora coreana que tuvo la fortuna de haber sido la alumna predilecta del compositor húngaro Gyorgy Ligeti (1923 – 2006) con quien estudio en Hamburgo. Su música usa usualmente ensambles poco comunes e instrumentos electrónicos, aunque también ha usado formas más tradicionales. La alta carga idiosincrática de su música puede compararse con la de su maestro Ligeti. En su música son las diferencias sutiles de tiempo y altura del sonido las que mantienen al escucha interesado y las que le confieren gran parte de su carga lírica y expresiva. Su estilo es altamente abstracto; de su obra ella misma ha dicho que trata de transportar a música visiones de sueños suyos, en concreto luces, colores… esta cualidad abstracta y remota es la que llena emocionalmente sus composiciones.

Gabriela Ortiz, México, 1964

Nació en la ciudad de México donde estudió composición con Mario Lavista en el conservatorio nacional de música y después con Federico Ibarra en la UNAM. Gabriela Ortiz es actualmente reconocida internacionalmente como una de las voces musicales más importantes de México, sus obras actualmente han sido tocadas por todo el mundo y lo mismo por agrupaciones mexicanas como el trío de las Américas en México, que fuera de México por músicos como el famoso Kronos Quartet. El catalogo de Gabriela Ortiz abarca tanto música orquestal, para piano solo, música electroacústica, de cámara e incluso una ópera; “Unicamente la verdad” (1997). Su música se distingue por su sincretismo. En su música están la tradición europea, los recursos nuevos propios de la música contemporánea y del jazz mezclados con elementos mexicanos, procedentes incluso del México prehispánico. Este mezcla puede ser apreciada e obras como Patios (1989) para orquesta sinfónica y Altar de muertos (1997) para cuarteto de cuerdas acompañado de tambores de agua prehispánicos. De destacar son composiciones como “Baalkah” para cuarteto de cuerdas y soprano cantando en maya.

Alice Coltrane (de soltera Alice McLeod) 1937-2007

Alice & John

Una figura de vital importancia en el Jazz. Alice Coltrane sería la compañera del legendario Jazzman John Coltrane en sus últimos años. Además de ser su compañera sentimental, Alice será la pianista del último combo lidereado por su esposo desde 1965 hasta 1967, año de la muerte de John y la más cercana a él en sus exploraciones musicales espirituales y complicadísimas de los últimos años. Antes de ocupar el lugar de McCoy Tyner, el pianista original en el cuarteto de John Coltrane, Alice había ejecutado el Arpa lo que después influiría en la formación de su estilo arpegiado y difuso en el piano, más apropiado que el percusivo de Tyner para las últimas sesiones musicales que compartiría con su esposo. Para escuchar uno de los últimos legados sonoros de los dos vale la pena “Expression” de 1967, grabado poco antes de la muerte de John. Alice seguiría con su carrera en el Jazz hasta su muerte apenas el 12 de Enero de este mismo año.

El sentido de la vida

Dos compositores contemporáneos

Esta es la primer entrega de "disonancias" columna que escribo para el suplemento cultural del periodico el sol de Zacatecas. Espero les guste.

Dos (02) compositores contemporáneos
¿Porque normalmente escuchamos poca música contemporánea? ¿Es acaso que la música de estos tiempos es más difícil de apreciar que, digamos, la pintura de estos? ¿O que esamos tan acostumbrados a la música de siglos pasados que hace la mayor parte del repertorio que se toca actualmente que se nos olvida que se hizo música antes de ellos y que hoy también se hace música? Tal vez la música de estos tiempos parece difícil de escuchar al grueso del público después de mucho tiempo de acostumbrarse a un repertorio que poco o nada incluye de contemporáneo. Pero escuchar música contemporánea de concierto tiene sus recompensas. Y sí, puede que la música contemporánea sea difícil. Sin embargo y por esto mismo dejar de escucharla es privarse de una experiencia estética imposible de obtener de otra forma, como lo aseveró el músico estadounidense Aaron Copland (1900-1990) En efecto, creo que lo que podemos experimentar ahora en la música contemporánea no lo podemos encontrar en ninguna otra parte. Sirva esta pequeña introducción a dos compositores contemporáneos para acercarse a esta experiencia.


01 Valentin Silvestrov


(30 de Septiembre de 1937, Kiev, Ucrania) compositor considerado uno de los más influyentes de su generación. Silvestrov empezó a estudiar piano y composición en la escuela de música de Kiev de 1955 a 1958 y luego en el conservatorio de Kiev de 1958 a 1964 siendo alumno de composición de B. Liatoshinsky y de armonía y contrapunto de L. Revutsky. El estilo compositivo de Silvestrov se distingue por su cualidad sugestiva, lirica,… y silenciosa. Moderno y de avanzada pero preocupado por la emotividad en música. En la mayoría de sus trabajos, especialmente en los dedicados a ensambles de cámara, se alternan momentos con un volumen que apenas va por encima del pianisimo con otros sorprendentes y agitados, aunque como una constante predominan los primeros. Punto importante de su estilo es el uso de la armonía; si bien en sus trabajos ha usado lo que se llama “síntesis estilística”, la incorporación de técnicas tonales y modales tradicionales con las de avanzada, las armonías peculiares y los intervalos abiertos (más separados que la octava) son algunas de sus cualidades distintivas. Su estilo modernista enfrentó a Silvestrov con la expulsión de la unión de compositores en 1974. Silvestrov, quien prefirió retirarse del público que renunciar a su estilo, después de un breve periodo de inactividad compuso música como “silent songs” una colección de canciones sobre poetas rusos donde su manera de expresar mucho con texturas sencillas y quietas brilla, y su quinta sinfonía, inspirada por la obra de compositores románticos tardíos (principalmente Mahler) y considerada por muchos una obra maestra.
Para escuchar: Cuarteto de cuerdas No.1 (1974)

02 Arvo Pärt

(11 de Septiembe de 1935, Paide, Estonia) El trabajo de Pärt ha ido y venido por muchos cambios estilísticos, cambios que incluso han hecho que algunas de sus obras de distintos periodos parezcan irreconocibles como provenientes del mismo compositor. Sin embargo como escucha hay una constante a encontrar: la espiritualidad de la que están cargadas todas sus obras y que lo hace uno de los compositores contemporáneos más interesantes. Part estudió música primero en Rakvere y más adelante en el coservatorio de de Tallin al que ingresó en 1957 teniendo como maestro de composición a Heino Heller. Aunque para la fecha del nacimiento de Part Estonia era un estado independiente, fue ocupada por la unión sovietica en 1940, lo que luego sería factor importante en el desarrollo de Pärt. En la antigua unión sovietica no podía tener gran acceso a la música producida por sus contemporáneos en el oeste (como Schnittke o Ligeti), más que por medios no oficiales. Aún así fue el primer compositor Estonio en componer una pieza con el método serial, al que estuvo apegado en los inicios de los sesentas. Luego realizaría experimentos con otros estilos a los que respondería él mismo con periodos de silencio y aparente inactividad que aprovechó para estudiar la música de compositores Franco-Flamencos del renacimiento. Pärt regresó a la escena en 1976 con una técnica inventada por él mismo y a la que se ha apegado casi religiosamente, denominada por el mismo “tintinnabuli” es totalmente propia aunque lo ha hecho ser identificado como un compositor minimalista. Sólo puedo recordar algo similar a la impresión que me causo por primera vez la escucha de su “Fratres” para violín y piano en algunos trabajos para violín sólo de J.S. Bach. Tal vez por esa espiritualidad que sale de cada nota.
Para escuchar: Tabula Rasa

Like Minds (1998)

Poco que decir. basta ver al Personal involucrado:
Gary Burton, vibrafono; Chick Corea, piano; Pat Metheny, guitarra; Roy Haynes, batería; Dave Holland, bajo.
Y ya.
Discazo de Jazz. A conseguirlo.