Thursday, November 20, 2008

Nick Drake

Ahh, esa díficil costumbre de que esté muerto.
Él, que podía hacerte escuchar las hojas de los árboles en un rojo día de otoño. Es raro escuchar las canciones de este cantautor inglés y luego darse cuenta de como murió de soledad, después de dejar tres discos magníficos que la gente apenas escuchó. Pero es un mundo raro.

I was born to love no one
No one to love me
Only the wind in the long green grass
The frost in a broken tree.

I was made to love magic
All its wonder to know
But you all lost that magic
Many many years ago.

I was born to use my eyes
Dream with the sun and the skies
To float away in a lifelong song
In the mist where melody flies.

I was born to sail away
Into a land of forever
Not to be tied to an old stone grave
In your land of never.

Friday, September 26, 2008

John Coltrane, Alabama


A las leyendas de la música se les recuerda muy fácilmente por los momentos de brillantez y creatividad despreocupada, pero son los momentos de oscuridad los que quedan grabados más firmemente en el subconsciente de la gente. A veces es esa oscuridad lo que empuja el arte hasta sus extremos más fuertes. A veces es lo que empuja a un ser humano a escribir una de sus creaciones más sublimes, tal vez fue lo que empujo a Chopin a escribir música al enterarse de las atrocidades cometidas en una tierra a la que jamás regresaría y tal vez fue lo que empujo a un Genio del jazz a escribir, recordando un atroz suceso en Alabama.

Si bien el Jazz desde siempre fue un escaparate para el orgullo negro y para la sed de libertad de una raza oprimida en los Estados unidos, Coltrane se considero a sí mismo siempre un músico antes que un agente político. Para los 50´s Trane había estado al frente de ya dos revoluciones en el Jazz contemporaneo. Una como miembro del quinteto de Miles Davis en el clásico Albúm “Kind of Blue” de 1959 que cambió para siempre el sonido de un combo de Jazz y el enfoque a la improvisación, y otra con “Giant Steps” que expandió las concepciones armónicas y estructurales posibles en el Jazz… sólo el principio. En 1960 Trane deja el quinteto de Davis y se embarca en una serie de exploraciones musicales al frente de su propio cuarteto clásico, cada una más arriesgada que la anterior hasta llegar a “A love supreme” considerado por muchos (me incluyo) su trabajo más profundamente espiritual. En cada uno de los álbumes en el camino el saxofonista iba absorbiendo concepciones musicales de todo el mundo. Música española, (en Olé Coltrane!) estudios de armonía basados en música de compositores como Debussy y Stravinsky, su interés en las músicas autóctonas de la india como los ragas y su pasión por los ritmos y percusiones provenientes del África. Trane, desde su condición de músico afroamericano creía en la universalidad de la música.

Desde la primera protesta pacífica lanzada por Martin Luther King, un hombre que tuvo la valentía de empezar un discurso con las palabras “He tenido un sueño” los músicos de jazz decidieron estar a su lado. Desde la actitud abiertamente agitadora de sujetos como Charles Mingus O Max Roach, cuyo tema “It´s Time” es una abreviación de It´s time for Liberation o en actitudes más moderadas como la del propio Trane. El jazz se volvió música abiertamente provocadora y defensora del orgullo negro. Se dice que el arte expresa las inquietudes y anhelos de la gente de un particular periodo y el jazz en esa época expresaba el deseo de igualdad y más profundamente, de justicia.

En el mes de Septiembre de 1963 Martin Luther King decidió lanzar una protesta pacifica en Birminghamm Alabama. En cuestión de días miles de protestantes inundaron las cárceles estatales y después de diez días las autoridades se rindieron, dejándolos salir. Birminghamm fue una gran victoria para el movimiento por los derechos civiles que llevaría a protestas en más de cien otras ciudades de E.U. y culminaría en la histórica marcha a Washington. Pero eso no fue todo.

En la mañana del domingo 13 de septiembre de 1963 una dozena de palos de dinamita fueron plantados en una iglesia bautista de Birminghamm Alabama. Una explosión a las 10:45 a.m mató a cuatro niñas negras de entre once y catorce años. Trane escribió la pieza “Alabama” en respuesta al suceso.
Coltrane escuchó el discurso de King para el funeral. La pieza esta tramada imitando de cierto modo las palabras dichas por King. Un conmovedor y distante lamento de Saxofón sostenido por un sombrío ostinato de la sección rítmica se transforma en una declaración de lucha contra el racismo y por la voluntad de seguir. Una furiosa declaración hecha por un soberbio Crescendo de Trane.

Los temas de Trane se distinguen por su gran tradición y utilidad para los jóvenes jazzistas. Acercarse a ellos es una de las mejores formas de aprender improvisación e intentar Giant Steps es parte del fogueo que los instrumentistas interesados en el jazz pasan. Sin embargo “Alabama” retiene una vibra de respeto casi mística. Es fácil comprobarlo por ejemplo en todas las versiones de standards de Coltrane como “equinox” y “Giant Steps” que se pueden encontrar en grabaciones de otros jazzistas y en las casi inexistentes de Alabama. Será tal vez porque un lamento que raya en lo sublime no es algo que puede recrearse.

Sunday, August 24, 2008

I don´t care....

Well, i have my dreams while i´m awake

Well i have my dreams while i´m awake
I have my dreams when i´m awake
Well i have my dreams while i´m awake

I don´t care as long as it´s a long vibrating sound
I don´t care as long as it´s a vibrating bugged down sound I have my dreams while i´m awake
I don´t care as long as it´s a sound
Well i have my dreams
While i´m awake

Monday, July 21, 2008

Pasa en las películas, pasa en la vida.

Friday, July 11, 2008

La industria sube los decibelios

Las discográficas graban los álbumes de pop y de rock a mayor volumen y sin matices para adaptarse a los nuevos modos de consumo en móviles o MP3

XAVI SANCHO - Barcelona - 20/12/2007

"Escuchas discos modernos y te das cuenta de que son atroces. Están llenos de sonido. Nada suena definido. No hay voces, no hay nada de nada". Cuando Bob Dylan declaró esto hace un par de años en una entrevista a la revista inglesa Mojo, no estaba interpretando el papel de viejo sabio gruñón que tan bien le sienta desde hace más de una década. Estaba haciéndose eco de la penúltima víctima artística colateral de la crisis de la industria discográfica.

Los discos suenan cada vez más alto y peor, en una guerra en pos del decibelio provocada por el brusco cambio de hábitos de escucha del público y el advenimiento de formatos de reproducción poco serios y nada respetuosos con lo anteriormente conocido como música.

Así, discos de reciente edición, como el debut de Arctic Monkeys, At war with the mystics, de Flaming Lips, o incluso los Greatest hits, de Bee Gees llegan masterizados a unos niveles que llegan a estar cuatro decibelios por encima de lo recomendable.

"El otro día estaba en Ikea y sonó Wilco [banda de raíces norteamericanas, popular por la atención al detalle y a la delicadeza de sus producciones], y casi ni me enteré. Es un disco que no está hecho para sonar en Ikea, pero otros sí, y aun con ésas, suenan fatal", comenta el productor asturiano Paco Loco, propietario de un estudio de fama mundial, por donde han pasado artistas como la islandesa Björk o los británicos Manic Street Preachers. "Recuerdo una vez que estaba en EE UU y le comenté al artista que el sello me pedía que el disco sonara más fuerte. Y él me dijo: 'Ya estamos, prefieren que suene alto a que suene bien... Estamos matando la música".

Nigel Mong, de la revista norteamericana Stylus, es de esa misma opinión: "El sonido es cada vez más alto y más sucio, con menos matices. Está pensado para llamar la atención en un centro comercial o para escucharse en un coche en pleno atasco, no para sentarse en casa con los cascos a apreciar los matices de la música. Lo que han hecho con discos como el de Lily Allen o el último de Springsteen es demencial".

"La música ha perdido todo el misterio. La música es hoy algo rápido y barato, sin ideas. Otro producto cuya evolución viene marcada por las normas del mercado, no por la creatividad y las ideas", apunta Luigi Gino Castaldo, reputado crítico musical del diario italiano La Repubblica. La conversión del rock en algo de perfil mercantilista no es nueva. Puede que se encuentre en su propia idiosincrasia. Lo que sí es cierto es que jamás hasta hoy la industria había sufrido una crisis de identidad tan grande que afectara incluso al sonido de las obras.

"Hay que empezar a pensar en facturar canciones que serán machacadas en formato MP3", recuerda Carlos Narea, productor clásico del panorama patrio y que, como muchos, ha debido optar por montar su propio estudio ante la falta de presupuesto de los sellos para pagar producciones como las de antes. "No es muy distinto a lo que se hacía tiempo atrás. Grababas el disco en un casete y salías al coche y lo ponías para ver cómo se escuchaba entonces. Hoy, la mayoría de la música se consume en un formato que elimina frecuencias y con ello calidad, un formato en el que la cantidad está siempre por encima".

"Nosotros no hemos notado mucho de esto, la verdad", explican en la barcelonesa tienda de discos Revólver. "Sí, es cierto, muchos discos suenan más potentes que otros, pero esto siempre ha sido así. También es verdad que hay remasterizaciones de viejos clásicos hechas sólo para subir el volumen, mientras que las que llegan de Japón sí aumentan la calidad". "Pero, esta calidad, ¿la va realmente a notar alguien con un MP3 en el que caben 30.000 canciones? ¿Para qué demonios quieres 30.000 canciones si en el fondo no te gusta tanto la música?", reflexiona Nigel, de Stylus, entrando, claramente en otro tema.

Paco Loco, por su parte, hace un silencio entre tanto ruido y concluye. "Estaba pensando yo... Mira, no tengo ni iPod ni nada, y si quieres que te diga la verdad, por mucha tecnología y mucha tontería que haya, al final, los discos que mejor suenan siguen siendo los de Dylan o Led Zeppelin en los setenta".

Friday, June 20, 2008

Música para días lluviosos


Sunday, June 08, 2008

Este mes en mi ipod

Este mes mi ipod esta hecho algo extraño, cosas nuevas con cosas clásicas. He aquí la muestra.

Saint Germain des Prés Café, Volúmenes varios

Una compilación de Nu-Jazz que compré solo por curiosidad y me hizo pensar que a veces, y bajo condiciones especiales la electronica puede tener su encanto. Las cosas que valen más la pena son las pistas donde se mezcla bien lo electronico con la improvisación. Lo bueno es que le sirve a cualquiera para saber que es eso del electro-jazz sin clavarse mucho, y lo malo es que como en casi cualquier compilación hay mucha basura mezclada entre lo de verdad bueno. Ah, y St Germain (el músico) es la onda, ya veo porque les gusta a los jóvenes junkies franceses.

Bill Evans – The complete riverside recordings

Porque la música de Bill Evans la disfrutaré siempre, pero sabe un poco más rico en días solitarios y cuando se tiene la suerte de ver llover un poco. Está edición contiene varias de las actuaciones más sublimes de Bill y standards que dan escalofríos.

Johannes Brahms – Doble concierto para Violín, Cello y orquesta, Versión de Mstislav Rostropovich y David Oistrakh

Brahms siempre lo llevo en mi ipod muy cerquita de mi corazón y este concierto es de mis obras favoritas. En esta versión, la comunicación entre los dos solistas es perfecta y simplemente impresionante.

Yardbirds – Blue Eyed Blues

Porque siempre es bueno traer algo de blues. Y porque siempre es bueno algo de aquella gloriosa época de los 60´s. Ya quisiera cantarle a alguna niña “Good morning little scholgirl”

Giussepe Tartini – Violin Concertos

De esas pequeñas joyas barrocas para las que siempre es bueno tomar unos momentos. Bonito para el camino a la escuela.

Dites 34 – 3=5


Jazz folklorico francés. De esas cosas que te hacen sentir orgulloso porque nadie parece conocerlos y tu los viste en un genial toquín en vivo.

Monday, May 12, 2008

Reflexiones Pop


Encías Sangrantes Murphy, el Jazzman

"Bueno, déjame ponerlo de esta forma... has ido alguna vez al dentista? Yo no. Supongo que debería ir a uno, pero ya tengo suficiente dolor en mi vida como es."

Así se presenta uno de mis personajes favoritos de ese gran muestrario de cultura pop que es los Simpson. Este monito que parece una sátira del viejo jazzero barrigón y barbudo que te encuentras tocando en la calle, y que tiene mucho de Sonny Rollins, Lester Young y una vibra viejita así como de Coleman Hawkins. Murphy la caricatura apareció por primera vez tocando en un puente en la noche, parodiando la leyenda de Sonny Rollins.

Este hombre es mostrado en la caricatura como el típico caso de un músico en la miseria. Demasiado pobre para pagar un tratamiento médico, sin hijos ni familia, disminuido, su único gran éxito fue un albúm en el que su foto apenas aparece en un pequeño rincón de la portada,
con problemas de salud debidos a sus vicios, y olvidado. (en su funeral Lisa Simpson es la única que sabe de quien se trata) Pero lo que me gusta tanto de este mono es que detrás de la caricatura también está la parodia del músico que está tan entregado a su arte que simplemente no hace otra cosa, porque no quiere y no puede. Y ¿saben? de esos también hay en la vida real y son de respeto, de mucho respeto.

Sunday, May 04, 2008

Wilco, Just a bunch of american aquarium drinkers

O la banda que resucitó mi confianza en el rock alternativo. Wilco es un grupo de Chicago que suena a country estadounidense pasado por influencias electronicas e indie y mezclado con algo de ruido a la sonic youth. El resultado es una banda de sonido fresco y raro en el circuito americano.

Wilco empezó cuando Jeff Tweedy y Jay Farrar disolvieron Uncle Tupelo, banda seminal de los 90. Tweedy formó Wilco con los miembros originales del grupo: Si bien los inicios del grupo sonaban a Uncle Tupelo, La banda se fue embarrando de suficiente alternativo y ruidos sucios de guitarras eléctricas sin perder su esencia de revividores de la música americana, como para llegar a ser una de las bandas mas peculiares y chidas del rock alternativo de por estos años, género que parecía andar medio muerto.

El primer albúm de Wilco, A.M de 1995 es en el que hay más Uncle tupelo de todos. Ya a partir de que llegó al grupo el multiinstrumentalista Jay Benett, se encargó de poner más electronica en el sonido de Wilco. De cualquier manera al poco tiempo, dos discos y un pleito con un miembro de Sonic Youth Jay Benett estaba fuera. Por si fuera poco Wilco se quedo sin disquera para su nuevo albúm Yankee Hotel Foxtrot de 2002. Ironicamente los miembros de la banda pusieron el disco gratis para descarga en su web y tiempo después fueron firmados por Nonesuch (subsidiaria de la compañía que los había corrido) y cuando el disco salió oficialmente llegó al 12 del Billboard, para ser el disco más vendido de Wilco hasta ese entonces y también el que más me gusta personalmente. Un disco solido, disfrutable y coherente por donde se le vea. Luego salieron A Ghost is Born (2005) y la continuación de este, Sky Blue Sky en los que aparece el guitarrista de Jazz Neils Cline. (2007) Un poco más tranquilos, en ellos que pareciera que los Wilco se dedican a repasar su historia musical.

Wilco es una banda de esas que sí me dan ganas de ver en vivo, además tienen fama de sonar mejor en directo (quién lo diría en estos tiempos) Tienen rolitas de genial ironía y otras de esas que simplemente encanta escuchar.


Thursday, April 17, 2008

Los días pasan como caballos salvajes sobre las colinas

Es la traducción que normalmente se lee de aquel gran poema de Charles Bukowski que curiosamente fue publicado en un volumen del cual no ha salido una traducción completa. En fin, yo siempre he preferido la versión original en la que se lee

Days run away like wild horses over the hills


Por varias razones, una es esa Hermosa analogía entre los días que se van sin que uno pueda hacer nada y los caballos salvajes que corren implacables, y que se pierde en una mala traducción. Yo preferiría traducir “los días corren” pero pues que se le hace. De todos modos el sentido final esta ahí. Ah, aquellas ocasiones en las que uno solo puede quedarse mirando como el tiempo pasa fatal e inevitable.

Tuesday, March 11, 2008

Espontánea

Quiero que mi vida pueda narrarse como prosa espontánea. Quiero que mi vida funcione como un gran rollo sin márgenes cuando intente releerlo. Quiero que funcione como una sucesión de improvisaciones en todas las tonalidades y modos. Quiero enamorarme estúpidamente muchísimas ocasiones. Quiero pasarme la vida desaliñado. Quiero presenciar lo sublime en diferentes lugares. Quiero pintar abstracto en mis ojos. Quiero ver cosas nuevas dentro de lo cotidiano. Quiero muchas cosas…

Monday, January 14, 2008

En memoria de aquel tigre de felpa

El pasado 23 de diciembre de 2007 ha muerto Oscar Peterson. A veces los hechos del mundo son difíciles, pero más es tener que explicarlos. Con Oscar Peterson no se va solo un jazzista de extremo virtuosismo. Podría pasar tiempo escribiendo sobre Peterson y su increíble técnica, Peterson y sus tríos tan importantes para el jazz moderno, Peterson y su poder rítmico y su Swing tremendo, Peterson y su creatividad melódica que parecía interminable, Peterson tocando con Jon Faddis, con Ella Fitzgerald, con Joe Pass o con Ray Brown, por solo nombrar unos cuantos, Peterson alumno de alguien que a su vez había sido alumno de Franz Liszt, Peterson el que influenció a una generación de pianistas brillantes como Keith Jarret, o el Peterson que nos dejó más de 200 grabaciones entre tantos otros. Pero prefiero pasar tiempo en lo realmente bueno, aunque será difícil lo sé. Tendrá que ver que con la muerte de Peterson recordé el famoso endecasílabo de Quevedo que dice “lo fugitivo permanece y dura” (y no me pregunten más acerca de Quevedo por que no sé nada) Así que trataré de hablar un poco sobre lo importante de aquel tipo, espero me ayude un poquito que a lo fugitivo es más fácil escucharlo.

A mí Peterson me acerca a otra época con medios que no puedo describir exactamente y tal vez tengan que ver un poco en esa tremenda serie de causalidades y momentos simultáneos que expresaba cierto escritor argentino mejor que nadie en 1963 (o tal vez tenga más que ver con aquel swing tan característico). Con Peterson de veras se puede uno dejar llevar (si se quiere y se sabe como) al momento aquel en que en Viena canta Fitzgerald, en París Kenny Clarke inaugura un Cave y Satchmo está en todos lados con su ubicuidad y en el club de la serpiente se sirve otro Vodka, se escucha la primera frase de un blues y otro tanto. Mucho sentimentalismo y nostalgia pero sobre todo, el Scat de Peterson feliz aporreando los ochenta y ocho espacios blancos y negros de infinitas combinaciones causando montón de cosas que no pueden describirse, en fin, música.

Con Peterson se va el pianista y mucho más que el pianista, se van sentimientos, se van cachitos de una época que no conocí y me resulta nostálgica. Se va, como lo describiera julio Cortázar un tal Oscar Peterson, un tal pianista con algo de tigre y felpa, un tal pianista triste y gordo, un tipo al piano y la lluvia sobre la claraboya, en fin, literatura.1

1 Rayuela (capítulo 18)