Pasa en las películas, pasa en la vida.

La industria sube los decibelios

Las discográficas graban los álbumes de pop y de rock a mayor volumen y sin matices para adaptarse a los nuevos modos de consumo en móviles o MP3

XAVI SANCHO - Barcelona - 20/12/2007

"Escuchas discos modernos y te das cuenta de que son atroces. Están llenos de sonido. Nada suena definido. No hay voces, no hay nada de nada". Cuando Bob Dylan declaró esto hace un par de años en una entrevista a la revista inglesa Mojo, no estaba interpretando el papel de viejo sabio gruñón que tan bien le sienta desde hace más de una década. Estaba haciéndose eco de la penúltima víctima artística colateral de la crisis de la industria discográfica.

Los discos suenan cada vez más alto y peor, en una guerra en pos del decibelio provocada por el brusco cambio de hábitos de escucha del público y el advenimiento de formatos de reproducción poco serios y nada respetuosos con lo anteriormente conocido como música.

Así, discos de reciente edición, como el debut de Arctic Monkeys, At war with the mystics, de Flaming Lips, o incluso los Greatest hits, de Bee Gees llegan masterizados a unos niveles que llegan a estar cuatro decibelios por encima de lo recomendable.

"El otro día estaba en Ikea y sonó Wilco [banda de raíces norteamericanas, popular por la atención al detalle y a la delicadeza de sus producciones], y casi ni me enteré. Es un disco que no está hecho para sonar en Ikea, pero otros sí, y aun con ésas, suenan fatal", comenta el productor asturiano Paco Loco, propietario de un estudio de fama mundial, por donde han pasado artistas como la islandesa Björk o los británicos Manic Street Preachers. "Recuerdo una vez que estaba en EE UU y le comenté al artista que el sello me pedía que el disco sonara más fuerte. Y él me dijo: 'Ya estamos, prefieren que suene alto a que suene bien... Estamos matando la música".

Nigel Mong, de la revista norteamericana Stylus, es de esa misma opinión: "El sonido es cada vez más alto y más sucio, con menos matices. Está pensado para llamar la atención en un centro comercial o para escucharse en un coche en pleno atasco, no para sentarse en casa con los cascos a apreciar los matices de la música. Lo que han hecho con discos como el de Lily Allen o el último de Springsteen es demencial".

"La música ha perdido todo el misterio. La música es hoy algo rápido y barato, sin ideas. Otro producto cuya evolución viene marcada por las normas del mercado, no por la creatividad y las ideas", apunta Luigi Gino Castaldo, reputado crítico musical del diario italiano La Repubblica. La conversión del rock en algo de perfil mercantilista no es nueva. Puede que se encuentre en su propia idiosincrasia. Lo que sí es cierto es que jamás hasta hoy la industria había sufrido una crisis de identidad tan grande que afectara incluso al sonido de las obras.

"Hay que empezar a pensar en facturar canciones que serán machacadas en formato MP3", recuerda Carlos Narea, productor clásico del panorama patrio y que, como muchos, ha debido optar por montar su propio estudio ante la falta de presupuesto de los sellos para pagar producciones como las de antes. "No es muy distinto a lo que se hacía tiempo atrás. Grababas el disco en un casete y salías al coche y lo ponías para ver cómo se escuchaba entonces. Hoy, la mayoría de la música se consume en un formato que elimina frecuencias y con ello calidad, un formato en el que la cantidad está siempre por encima".

"Nosotros no hemos notado mucho de esto, la verdad", explican en la barcelonesa tienda de discos Revólver. "Sí, es cierto, muchos discos suenan más potentes que otros, pero esto siempre ha sido así. También es verdad que hay remasterizaciones de viejos clásicos hechas sólo para subir el volumen, mientras que las que llegan de Japón sí aumentan la calidad". "Pero, esta calidad, ¿la va realmente a notar alguien con un MP3 en el que caben 30.000 canciones? ¿Para qué demonios quieres 30.000 canciones si en el fondo no te gusta tanto la música?", reflexiona Nigel, de Stylus, entrando, claramente en otro tema.

Paco Loco, por su parte, hace un silencio entre tanto ruido y concluye. "Estaba pensando yo... Mira, no tengo ni iPod ni nada, y si quieres que te diga la verdad, por mucha tecnología y mucha tontería que haya, al final, los discos que mejor suenan siguen siendo los de Dylan o Led Zeppelin en los setenta".

Música para días lluviosos

Este mes en mi ipod

Este mes mi ipod esta hecho algo extraño, cosas nuevas con cosas clásicas. He aquí la muestra.

Saint Germain des Prés Café, Volúmenes varios

Una compilación de Nu-Jazz que compré solo por curiosidad y me hizo pensar que a veces, y bajo condiciones especiales la electronica puede tener su encanto. Las cosas que valen más la pena son las pistas donde se mezcla bien lo electronico con la improvisación. Lo bueno es que le sirve a cualquiera para saber que es eso del electro-jazz sin clavarse mucho, y lo malo es que como en casi cualquier compilación hay mucha basura mezclada entre lo de verdad bueno. Ah, y St Germain (el músico) es la onda, ya veo porque les gusta a los jóvenes junkies franceses.

Bill Evans – The complete riverside recordings

Porque la música de Bill Evans la disfrutaré siempre, pero sabe un poco más rico en días solitarios y cuando se tiene la suerte de ver llover un poco. Está edición contiene varias de las actuaciones más sublimes de Bill y standards que dan escalofríos.

Johannes Brahms – Doble concierto para Violín, Cello y orquesta, Versión de Mstislav Rostropovich y David Oistrakh

Brahms siempre lo llevo en mi ipod muy cerquita de mi corazón y este concierto es de mis obras favoritas. En esta versión, la comunicación entre los dos solistas es perfecta y simplemente impresionante.

Yardbirds – Blue Eyed Blues

Porque siempre es bueno traer algo de blues. Y porque siempre es bueno algo de aquella gloriosa época de los 60´s. Ya quisiera cantarle a alguna niña “Good morning little scholgirl”

Giussepe Tartini – Violin Concertos

De esas pequeñas joyas barrocas para las que siempre es bueno tomar unos momentos. Bonito para el camino a la escuela.

Dites 34 – 3=5

Jazz folklorico francés. De esas cosas que te hacen sentir orgulloso porque nadie parece conocerlos y tu los viste en un genial toquín en vivo.

Reflexiones Pop

Encías Sangrantes Murphy, el Jazzman

"Bueno, déjame ponerlo de esta forma... has ido alguna vez al dentista? Yo no. Supongo que debería ir a uno, pero ya tengo suficiente dolor en mi vida como es."

Así se presenta uno de mis personajes favoritos de ese gran muestrario de cultura pop que es los Simpson. Este monito que parece una sátira del viejo jazzero barrigón y barbudo que te encuentras tocando en la calle, y que tiene mucho de Sonny Rollins, Lester Young y una vibra viejita así como de Coleman Hawkins. Murphy la caricatura apareció por primera vez tocando en un puente en la noche, parodiando la leyenda de Sonny Rollins.

Este hombre es mostrado en la caricatura como el típico caso de un músico en la miseria. Demasiado pobre para pagar un tratamiento médico, sin hijos ni familia, disminuido, su único gran éxito fue un albúm en el que su foto apenas aparece en un pequeño rincón de la portada,
con problemas de salud debidos a sus vicios, y olvidado. (en su funeral Lisa Simpson es la única que sabe de quien se trata) Pero lo que me gusta tanto de este mono es que detrás de la caricatura también está la parodia del músico que está tan entregado a su arte que simplemente no hace otra cosa, porque no quiere y no puede. Y ¿saben? de esos también hay en la vida real y son de respeto, de mucho respeto.

Wilco, Just a bunch of american aquarium drinkers

O la banda que resucitó mi confianza en el rock alternativo. Wilco es un grupo de Chicago que suena a country estadounidense pasado por influencias electronicas e indie y mezclado con algo de ruido a la sonic youth. El resultado es una banda de sonido fresco y raro en el circuito americano.

Wilco empezó cuando Jeff Tweedy y Jay Farrar disolvieron Uncle Tupelo, banda seminal de los 90. Tweedy formó Wilco con los miembros originales del grupo: Si bien los inicios del grupo sonaban a Uncle Tupelo, La banda se fue embarrando de suficiente alternativo y ruidos sucios de guitarras eléctricas sin perder su esencia de revividores de la música americana, como para llegar a ser una de las bandas mas peculiares y chidas del rock alternativo de por estos años, género que parecía andar medio muerto.

El primer albúm de Wilco, A.M de 1995 es en el que hay más Uncle tupelo de todos. Ya a partir de que llegó al grupo el multiinstrumentalista Jay Benett, se encargó de poner más electronica en el sonido de Wilco. De cualquier manera al poco tiempo, dos discos y un pleito con un miembro de Sonic Youth Jay Benett estaba fuera. Por si fuera poco Wilco se quedo sin disquera para su nuevo albúm Yankee Hotel Foxtrot de 2002. Ironicamente los miembros de la banda pusieron el disco gratis para descarga en su web y tiempo después fueron firmados por Nonesuch (subsidiaria de la compañía que los había corrido) y cuando el disco salió oficialmente llegó al 12 del Billboard, para ser el disco más vendido de Wilco hasta ese entonces y también el que más me gusta personalmente. Un disco solido, disfrutable y coherente por donde se le vea. Luego salieron A Ghost is Born (2005) y la continuación de este, Sky Blue Sky en los que aparece el guitarrista de Jazz Neils Cline. (2007) Un poco más tranquilos, en ellos que pareciera que los Wilco se dedican a repasar su historia musical.

Wilco es una banda de esas que sí me dan ganas de ver en vivo, además tienen fama de sonar mejor en directo (quién lo diría en estos tiempos) Tienen rolitas de genial ironía y otras de esas que simplemente encanta escuchar.

Los días pasan como caballos salvajes sobre las colinas

Es la traducción que normalmente se lee de aquel gran poema de Charles Bukowski que curiosamente fue publicado en un volumen del cual no ha salido una traducción completa. En fin, yo siempre he preferido la versión original en la que se lee

Days run away like wild horses over the hills

Por varias razones, una es esa Hermosa analogía entre los días que se van sin que uno pueda hacer nada y los caballos salvajes que corren implacables, y que se pierde en una mala traducción. Yo preferiría traducir “los días corren” pero pues que se le hace. De todos modos el sentido final esta ahí. Ah, aquellas ocasiones en las que uno solo puede quedarse mirando como el tiempo pasa fatal e inevitable.

Espontánea

Quiero que mi vida pueda narrarse como prosa espontánea. Quiero que mi vida funcione como un gran rollo sin márgenes cuando intente releerlo. Quiero que funcione como una sucesión de improvisaciones en todas las tonalidades y modos. Quiero enamorarme estúpidamente muchísimas ocasiones. Quiero pasarme la vida desaliñado. Quiero presenciar lo sublime en diferentes lugares. Quiero pintar abstracto en mis ojos. Quiero ver cosas nuevas dentro de lo cotidiano. Quiero muchas cosas…

En memoria de aquel tigre de felpa

El pasado 23 de diciembre de 2007 ha muerto Oscar Peterson. A veces los hechos del mundo son difíciles, pero más es tener que explicarlos. Con Oscar Peterson no se va solo un jazzista de extremo virtuosismo. Podría pasar tiempo escribiendo sobre Peterson y su increíble técnica, Peterson y sus tríos tan importantes para el jazz moderno, Peterson y su poder rítmico y su Swing tremendo, Peterson y su creatividad melódica que parecía interminable, Peterson tocando con Jon Faddis, con Ella Fitzgerald, con Joe Pass o con Ray Brown, por solo nombrar unos cuantos, Peterson alumno de alguien que a su vez había sido alumno de Franz Liszt, Peterson el que influenció a una generación de pianistas brillantes como Keith Jarret, o el Peterson que nos dejó más de 200 grabaciones entre tantos otros. Pero prefiero pasar tiempo en lo realmente bueno, aunque será difícil lo sé. Tendrá que ver que con la muerte de Peterson recordé el famoso endecasílabo de Quevedo que dice “lo fugitivo permanece y dura” (y no me pregunten más acerca de Quevedo por que no sé nada) Así que trataré de hablar un poco sobre lo importante de aquel tipo, espero me ayude un poquito que a lo fugitivo es más fácil escucharlo.

A mí Peterson me acerca a otra época con medios que no puedo describir exactamente y tal vez tengan que ver un poco en esa tremenda serie de causalidades y momentos simultáneos que expresaba cierto escritor argentino mejor que nadie en 1963 (o tal vez tenga más que ver con aquel swing tan característico). Con Peterson de veras se puede uno dejar llevar (si se quiere y se sabe como) al momento aquel en que en Viena canta Fitzgerald, en París Kenny Clarke inaugura un Cave y Satchmo está en todos lados con su ubicuidad y en el club de la serpiente se sirve otro Vodka, se escucha la primera frase de un blues y otro tanto. Mucho sentimentalismo y nostalgia pero sobre todo, el Scat de Peterson feliz aporreando los ochenta y ocho espacios blancos y negros de infinitas combinaciones causando montón de cosas que no pueden describirse, en fin, música.

Con Peterson se va el pianista y mucho más que el pianista, se van sentimientos, se van cachitos de una época que no conocí y me resulta nostálgica. Se va, como lo describiera julio Cortázar un tal Oscar Peterson, un tal pianista con algo de tigre y felpa, un tal pianista triste y gordo, un tipo al piano y la lluvia sobre la claraboya, en fin, literatura.¹

1 Rayuela (capítulo 18)

Oscar Peterson

Ha muerto el legendario pianista de jazz canadiense, Oscar Peterson, falleció el día 23 pero recién me enteré. La noticia me deja muy triste, se va otra de las leyendas vivas del jazz.



Poseedor de una técnica formidable que le dejaba hacer todo lo que quisiera en el piano y una imaginación y expresión tremendas que le daban magia a todo lo que hacía, Oscar Peterson fue una de las figuras definitorias del jazz actual. Parecía que toda forma de jazz estaba a sus pies, sólo nunca hizo free, actuó junto a multitud de jazzistas importantes como Ray Brown, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Clark Terry, Joe Pass, Count Basie, y otros tantos. Su inventividad melódica es inconfundible y pianistas como Keith Jarret y Chick Corea deben mucho a su estilo, de igual manera el formato y tradición del trío de jazz a sus legendarios tríos.
Descanse en Paz.

Dejo aquí un video de Peterson genialísimo en compañia de otro grande, Joe Pas. Maravillense.

Las cosas que me gustarían para esta temporada y nadie me va a regalar

Un arco nuevo de pernambuco

Chocolates

Ipod Nuevo del que sea

Un vino tinto


Este disco que quiero tanto y simplemente no he podido conseguir

John Coltrane con Eric Dolphy


Un poster de Monet o Pollock para mi cuarto

Música Clasica... para conocedores. Un par de cd´s de la Deutsche Grammophon no caen mal.

Schubert con el cuarteto italiano

Papel sabor platano o menta




Ahhhh y mucho dinero que me hace falta Cello nuevo....

Chick Corea Elektric City

O porque los jazzistas no deben grabar videoclips.
Sí, la elektric band de Corea me encanta y me parece muy interesante (no su mejor proyecto) pero este tipo de cosas me hacen agradecer que no viví en los ochentas. Sólo miren al par de negros bailarines o el peinado de Patitucci... o la camisa de Chick

Dejo el link porque youtube no me deja pegar el video

Elektric City

después de verlo no he podido escuchar aquél cd con las mismas orejas...

Charles Mingus

"Yo soy tres. Un hombre que permanece siempre en medio, despreocupado, inmóvil, observando, esperando a que le sea permitido expresar lo que ve a los otros dos. El segundo hombre es como un animal asustado que ataca por miedo a ser atacado. Luego está la persona extremadamente cariñosa y amable que admite a la gente en el templo más sagrado de su ser y soporta los insultos y es confiado y firma los contratos sin leerlos y le enredan para que trabaje barato o por nada y, cuando se da cuenta de lo que le han hecho, siente ganas de matar y de destruirlo todo, incluso a sí mismo."

Phillip Glass

Este es un boceto para un ensayo que tenía planeado sobre compositores norteamericanos minimalistas. En el ensayo quería plantear la pregunta/tesis sobre la posibilidad de una estética musical con el silencio como principal ingrediente. Pero se me fue el tiempo y terminé entregando un pequeño texto sobre Phillip Glass. Aquí se los dejo, y debo el otro que planeo será un poco más interesante.

Phillip Glass

Creando el minimalismo musical desde las tuberías

Una de tantas cosas a admirar de los grandes compositores es la capacidad de crear en cualquier lugar y a cualquier tiempo, donde sea que se llegue a manifestar, la llamada inspiración o necesidad de crear. Si en la época decimonónica el compositor se ideaba como un personaje apacible que salia al campo por inspiración y podía escribir su música sentado apaciblemente en algún pasto, escuchando la música en su cabeza, el siglo XX ha enfrentado a los compositores de avanzada con el tener que idear su música teniendo que hacer cosas tales como manejar un taxi de la ciudad de Nueva York o navegar sus tuberías. Tal es el caso de Philip Glass y en menor medida de Steve Reich, creadores minimalistas americanos importantes de finales del siglo XX.

Philip Glass nació el 31 de enero de 1937 en Baltimore EU, nieto de inmigrantes judios de Lituania. Fue un niño precoz y pasó gran parte de su infancia en el negocio de padre, una tienda de discos, donde empezó su colección haciéndose de los discos que no se vendían y gracias al desinterés de la gente por la modernidad de aquel entonces pudo conocer a compositores tales como Paul Hindemith, Dimitri Shostakovich, Sergei Prokofiev, Erik Satie y otros, junto con la tradición occidental más conocida. En cuanto a estudios musicales empezó con la flauta en su ciudad natal para luego ir a la Julliard School of Music y después tener como maestros de composición a personajes como Darius Milhaud o Nadia Boulanger. Con quienes estudio de forma más tradicional para dedicarse después al minimalismo. Uno de los momentos más significativos en su carrera temprana fue cuando, durante el tiempo que estudiaba en París con Boulanger, conoció la corriente serialista de Pierre Boulez y decidió que el serialismo le parecía música mecánica y fría por lo que volcó su energía en lo que siempre ha sido una de las motivaciones más constantes de su carrera. Crear nueva música a la que el común de la gente pueda acercarse.

A su regreso Philip Glass fue una figura importante de la escena minimalista de Estados Unidos. Fundó un ensamble con otros músicos tales como Steve Reich, además de artistas visuales que compartían intereses parecidos. Muchas de las primeras presentaciones de música de Philip Glass tuvieron lugar en galerías de arte y no en salas de conciertos. En 1975 terminó “Einsten on the beach” ópera de su primer trilogía después completada por “Satyagraha” (1980) y “Aknahaten” (1983-1984) que le valieron el reconocimiento merecido. También en esta época Glass trabajo primero como taxista, luego plomero y además tuvo una compañía de mudanzas junto con Steve Reich para poder mantenerse económicamente. Después contaría con buen humor la risa que le produjo cuando una señorita de buena sociedad que subió a su Taxi, al ver su carnet de identificación le dijo: “señor usted no me va a creer pero se llama igual que un gran compositor de ópera contemporánea”

La obra de Philip Glass se distingue por el uso de recursos melódicos y armónicos de gran sencillez y por el predominio del ritmo, como la de gran parte de la corriente minimalista, sin embargo el mismo Glass ha dicho que no le gusta ser tomado por un compositor minimalista sino como un empleador del leit motif hasta sus extremos. Esto es, el uso de un motivo que se desarrolla a lo largo de toda la obra, Glass usa este recurso como el motor principal de sus composiciones haciendo que toda una pieza esté estructurada alrededor de motivos sencillos con variaciones ligeras y poco perceptibles, lo que le da gran parte de su sello característico y por otra parte hace que la escucha atenta sea la que más retribuye al oyente, además de hacer sufrir a los intérpretes de vez en cuando. Memorables son las anécdotas que pueden leerse en algunos libros de su autoría en las que cuenta como un solo tema suyo podía dar lugar a sesiones con otros músicos que duraban toda la noche.

En la actualidad Philip Glass ha sido reconocido como una de las voces más influyentes de la segunda mitad del siglo XX y músicos de todos generos han reconocido su influencia. Entre ellos músicos de Rock como Brian Eno, compositores para película como Danny Elfman, y algunos compositores serios. Ha colaborado con músicos tan dispares como el Kronos Kuartet, Ravi Shankar (a quien cita como una gran influencia), Aphex Twin entre muchos otros. Philip Glass ahora produce principalmente música para películas, además de hacerse cargo de su disquera POINT music y su estudio de grabación frecuentado por artistas del pop como Björk, David Bowie, Patti Smith y Lou Reed, entre muchos otros. Una de las cosas más interesantes de Glass está en haber influenciado como compositor serio el sonido de la música popular de estos tiempos. Y sí un poco el haber acercado el sonido contemporáneo al común de la gente.

Jornada del artista, por Erik Satie

Aquí tienen el horario detallado de mis actividades diarias:

Me levanto a las 7:18; estoy inspirado de 10:23 a 11:47.

Almuerzo a las 12:11 y me levanto de la mesa a las 12:14.

Saludable paseo a caballo, en el fondo del parque de 13:19 a 14:53. Otra inspiración de 15:12 a 16:07.

Ocupaciones diversas (esgrima, reflexiones, inmovilidad, visitas, contemplación, destreza, natación, etc.), de 16:21 a 18:47.

La cena se sirve a las 19:16 y se termina a las 19:20. A continuación, lecturas sinfónicas en voz alta: de 20:09 a 21:59.

Me acuesto normalmente a las 23:37. Una vez por semana, despierto sobresaltado a las 3:19 (los martes).

Sólo como alimentos blancos: huevos, azúcar, huesos rallados; grasa de animales muertos; ternera, sal, coco, pollo cocido en agua blanca; mohos de fruta, arroz, nabos; morcilla alcanforada, pastas, queso (blanco), ensalada de algodón y algunos pescados (sin piel).

Me hiervo el vino, que bebo frío con jugo. Tengo apetito; pero no hablo nunca comiendo, por miedo a atragantarme.

Respiro con cuidado (poco cada vez). Bailo muy raras veces. Cuando ando voy por los lados y miro fijamente atrás.

Muy serio de aspecto, si me río es sin querer. Por eso siempre me disculpo y con educación.

Sólo duermo con un ojo; tengo un sueño muy duro. Mi cama es redonda y perforada por un agujero para que pase la cabeza. Cada hora, un criado me toma la temperatura y me pone otra.

Desde hace tiempo estoy abonado a una revista de moda. Llevo un gorro blanco, medias blancas y un chaleco blanco.

El médico me ha dicho siempre que fume. A sus consejos añade: "Fume, amigo. Si no, otro fumará en su lugar"

There´ll never be another you

Nunca me había sabido tan melancólico un estándar de jazz como justo ahora. No sé si sean los acordes que le caben a tan pequeña pieza, la música de Harry Warren, o las palabras que parecen tomar más fuerza cuando ni siquiera se mencionan. De cualquier forma, improvisar líneas de bajo nunca me había dejado con tal sentimiento. Como suelo decir a veces, a la hora de improvisar uno se descubre totalmente. Ahora me parece tan cierto. Como también me parece tan cierto el título de este estándar. No habrá nunca… así como esos momentos de música improvisada no volverán a repetirse.

Sugerencia

"Intenta Sacándote el saxofón de la boca"



Miles Davis a John Coltrane cuando este le dijo que sus solos eran tan largos porque no sabía cómo parar.

Este mes en mi Ipod

Pues sí, esto lo debía desde hace mucho, pero no había podido. He aquí una muestra de lo que cargo conmigo este mes. En la calle, en el carro en la escuela y donde sea. Hay más, claro! pero esto es lo más destacado.

Chick Corea Elektric Band

Hard-Bop o Post-Bop del mejor. La elektric Band es una de las cosas más interesantes que ha hecho Corea para mi gusto y eso ya es decir mucho. Músicos sidemans fregones, composiciones geniales, y un Corea prendidísimo detrás de una montaña de teclados y sintetizadores. Alucinante ¡Gracias Cristi por pasarme uno de sus discazos!

Herbie Hancock – Gershwin´s World

Un disco del que deberé escribir más profundamente después. Por ahora solo diré que es uno de los discos más importantes de Herbie Hancock y de Jazz de los últimos meses. En él, Hancock rinde tributo a Gershwin de la mejor manera posible. Al lado de estándares de Gershwin y otros jazzistas de época se pueden escuchar cosas como la memorable interpretación del concierto para piano en Sol de Maurice Ravel por el mismo Hancock.

Johannes Brahms - Sexteto Op.18 y Quinteto Op. 34

La música de cámara de Brahms siempre me ha parecido de una belleza indescriptible. Estas obras en especial son obras maestras entre lo que es una producción deslumbrante.

John Coltrane - Lush Life

Un disco clásico de Coltrane que destila melancolía. Cuatro estándares y un blues, todos tratados con maestría. En las tres primeras piezas Coltrane toca con un combo que no volvería a repetir; Bajo y Batería sin piano, memorable. Y La recreación del estándar “Lush Life” soberbia y conmovedora

The Arcade Fire

Simplemente Rock Indie, Art-Rock o como se diga del bueno. Una banda interesante y diferente a las cosas comerciales que se hacen hoy día en el rockcito. Buenos arreglos, canciones bien armadas y producidas, letras inteligentes y además son de Montreal Canadá y tienen muy buenas rolitas cantadas en francés. Ya quiero que vengan a México para ir a verlos.

Art Pepper, Saxofonista de Jazz

Ascendiendo la colina de Fargo Street

En el Jazz, concretamente en la historia del jazz (y más concretamente en aquella que tiene lugar entre los años 50´s y 60´s,) existen personajes cuya fama ha quedado fundada en algunos acontecimientos que vendrían a ser tal vez sus momentos centrales para la percepción del público. Por ejemplo la sesión de grabación de “Lover man” de Charlie Parker en la que este sufrió un colapso nervioso y uno raro por extramusical que ha quedado plasmado en una imagen: Art Pepper, Saxofonista, ascendiendo una colina cerca de su casa en los Angeles en fotografía de William Claxton.

Art Pepper fue un músico de jazz que se distinguió como uno de los mejores saxofonistas de raza blanca en un momento en que las distinciones entre razas estaban muy en boga. Había quien decía que se podía distinguir la raza de un músico con escuchar como tocaba. Pepper tenía un estilo y un sonido únicos que quedarían fragmentados en dos etapas, con un registro muy claro entre ambas.

Art Pepper nace en Gardena, California en 1925. Aprende desde los 9 años el clarinete y luego el saxo alto, para los 15 o 16 ya esta tocando con orquestas profesionales y para los 17 se casa. Es un chico precoz a la manera de Parker y Davis. Las cosas parecían ir bien para Pepper hasta que es llamado a filas para servir en Inglaterra, de donde regresa en 1946. Debido a la depresión que le ocasiona el haberse ido justo cuando las cosas iban bien empieza a consumir drogas y a pasar un periodo de ociosidad y abandono hasta que es llamado por Stan Kenton, músico con el que participaría hasta 1952. Participa también en grabaciones junto a Shelly Manne, Shorty Rogers o Bob Cooper, y para el sello Discovery los primeros discos bajo su nombre. En esta época es cuando junto con la fama llegan las adicciones más fuertes y el principio de sus años difíciles. Pasará primero dos años en la prisión estatal de Los Angeles de donde sale apenas el tiempo suficiente para tocar un poco antes de volver a causa de una inspección policial en su casa. A su salida en 1956 es promocionado por la critica especializada como un notable regreso y es cuando graba discos geniales como “Art Pepper + eleven” (con 11 musicazos de la west coast) o “Meets the Rythm Section” y “Getting Together” con la sección rítmica de Miles Davis. Discos con el gran mérito en ese entoces de tener a un gran saxofonista blanco con una sección rítmica de músicos de color. Sin embargo, aunque Pepper pasa por momentos de gran inspiración artística, su estado de salud es frágil y su dependencia de las drogas es demasiado. Así como la de su esposa en ese entonces; Diane. Será ella quien lo denuncie por posesión de drogas para que Art Pepper caiga de 1961 a 1964 en St Quentin, la prisión más temida de USA. Art nunca se lo perdonará. A su salida contacta con sus amigos y vuelve a los escenarios, pero solo por menos de un año. Después de un concierto es arrestado de nuevo para volver a St Quentin hasta 1966, Diane muere por un cáncer el mismo año.

En los siguientes años pareciera que Pepper toca fondo; sin dinero con deudas, adicciones y enfermedades, apenas tiene dinero para comprar un saxo y fuerzas para tocarlo. Sin embargo, Art sigue y además preparara su regreso; uno de los regresos más espectaculares del Jazz. Ingresa en un centro de recuperación por 3 años, en los que conocerá a su nueva compañera: Laurie y se limpiará de drogas (no del todo pero sí lo suficiente) El apoyo de Laurie y otros amigos será crucial para Art, estos le consiguen un “decente” trabajo de oficinista y le ayudaran a recuperar la pasión por la música. Así, el l 9 de Agosto de 1975 de nuevo de la mano de Lester Köenig graba “Living Legend” para Contemporary.

Doug Ramsey comentaba a través de Radio Free Jazz de Washington a propósito de este disco:”Living Legend” – Art Pepper ha sabido dominar al monstruo. Es un hombre más fuerte y un artista más profundo que han salido victoriosos de este combate... El oyente de este disco escuchará mucha emoción concentrada, un grito, de pronto un lamento, de pronto una exclamación de alegría, frutos de la calma conseguida con la experiencia. En un sentido, es una música autobiográfica. El testamento de su vida."

Y tal vez lo fue. Una de las recuperaciones más increíbles del jazz resultó en discos excelentes y giras en la década de los 70´s. Un testimonio de la pasión por la música y la voluntad de seguir; como el que había quedado plasmado en la fotografía de Fargo Street años antes.
El 15 de Junio de 1982 tras una hemorragia cerebral y una semana en coma en el hospital, Muere Art Pepper

Gidon Kremer, Kremerata Báltica: 8 Estaciones

De este disco se pueden decir muchas cosas y tal vez yo no sea el más capacitado para decirlas.
Lo mismo de Gidon Kremer y de su Kremerata Báltica, respectivamente uno de los mejores violinistas del mundo, y una de las mejores orquestas de cámara del mundo, llamada así por reunir a jóvenes talentos de los países Bálticos y dirigida por Kremer mismo.

Baste por ahora decir que este disco me encantó, especialmente por la forma de estos músicos de abordar obras del repertorio que podrían pasar por muy típicas. Una interpretación innovadora que raya la perfección. Valen también la pena las interpretaciones de Kremer y su Camerata de las obras de Glass, Schnittke, Pärt y demás.