Este mes en mi ipod

La verdad no sé porque nunca se me había ocurrido hacer una sección de este estilo en el tiempo que llevo con el blog, será por falta de tiempo o por flojera simplemente. Bueno creo que esto servirá para compartir algo de mis gustos musicales (pueden ver algo tambien aquí: http://www.last.fm/user/IsmDvs ) y de alguna manera para darle vida al blog que andaba muertillo. En fin… también servirá para que la banda me siga diciendo que soy un tipo de veinte años con gustos musicales de uno de 40 ja! tal vez lo sea.

Ok. He aquí una muestra de las cosas que hay este mes en mi querido y modesto ipod nano.

Brad Mehldau

Un pianista de jazz que lleva tiempo haciendo lo que dice el titulo de uno de sus discos: “derregulating jazz” toca canciones de Radiohead y Nick Drake como si fueran clásicos standards de jazz. Además vale la pena escucharle por sus meritos como músico y por las veces que toca con el piano preparado. Todavía no he podido conseguir los discos de Metheny-Mehldau.

Claude Debussy

Me encanta la música de Debussy, entre mis favoritos. Entre lo que escucho ahora están los nocturnes con la Cleveland Orchestra conducida por Pierre Boulez.

György Ligeti

La sonata para viola sola. ¡Maestro Ligeti! Interpreta Garth Knox.

Jaga Jazzist

Este grupo es genial, acabo de descubrirlos hace poco aunque ya llevan tiempo tocando –tonto de mí- . La mezcla de electronica y otros sonidos con jazz es su sello. Este grupo de 10 músicos entre los que están un trombón, saxofones y un Fender Rhodes junto con djs hace cosas bastante interesantes. No sé si sea jazz, electronica, jazz experimental, avant-garde, o qué, pero me gusta.

Jeff Buckley – Grace

Un clásico de rock moderno. Simplemente una colección de canciones extremadamente bien hechas… y con un mood bastante triste.

Liquid Tension Experiment

De repente me gusta el rock duro y qué mejor que esto. Progresivo con cuatro músicos expertos en lo que hacen. John Petrucci, Jordan Ruddes y Mike Portnoy de Dream Theater con Tony Levin, bajista de king crimson

Pat Metheny Group – Travels

Un disco clásico de 1982, el primero en vivo con este Pat Metheny Group. Bastante bueno y disfrutable pero no para escuchar en una sentada.

Robert Schumann – Quinteto Op. 44

Uno de mis opus favoritos de Schumann, En una muy buena interpretación del Cuarteto Kodaly con Jeno Jando

México Nueva música para cuerdas, Cuarteto Arditti

Esta grabación del renombrado cuarteto Arditti es una bocanada de aire fresco para la música hecha en México. Algunas razones:

-El que la música sea toda de 6 compositores mexicanos nacidos entre 1957 y 1977
-El enorme prestigio del cuarteto Arditti en lo que a música contemporánea se refiere, si decidieron trabajar con estos compositores será por algo.
-Algunas de las composiciones del disco emplean elementos electrónicos bastante interesantes.
-El disco es consecuencia en gran parte al trabajo de “Radar” espacio de exploración sonora en México, enhorabuena.

La página de Radar: http://www.radarmx.org/

Pd.
Todavía no tengo original el cd, lo estoy consiguiendo.
Debo un comentario sobre el cuarteto Arditti.

Mujeres en la música

Esta vez la entrega de disonancias estuvo dedicada a algunas mujeres en la música con motivo del 8 de marzo. Espero les guste.

Mujeres en la música

Nadia Boulanger, Francia, 1887-1979

Astor Piazzola con Nadia Boulanger

Nadia Boulanger nace en París en una familia profundamente musical. Su madre era cantante y su padre profesor en el conservatorio de París, además su familia tenía relación con el compositor Gabriel Fauré, de quien fue alumna distinguida. A pesar de su natural talento Nadia dejó de componer en 1918, después de la muerte de su hermana Lili, también compositora. Aún así Nadia Boulanger fue una mujer con mucha presencia en la música. Su labor como directora de orquesta la llevo a dirigir en la década de los treintas orquestas de gran renombre como la Filarmónica de Londres y la orquesta filarmónica de Nueva York, siendo la primera mujer en hacerlo. Además su labor como pedagoga y maestra de composición la convirtió en una maestra de gran renombre y a tener entre sus estudiantes a algunos de los músicos más destacados del siglo XX, y de estilos tan dispares como Phillip Glass, compositor minimalista de vanguardia, Aaron Copland, norteamericano, Astor Piazzola, y Darius Milhaud entre otros muchos. Parte importante es que lejos de enseñar un método de componer, Boulanger se esforzaba por llevar a sus alumnos a descubrir su propio estilo. Una figura de influencia vital en la música del siglo XX.

Unsuk Chin, Corea, 1961

Compositora coreana que tuvo la fortuna de haber sido la alumna predilecta del compositor húngaro Gyorgy Ligeti (1923 – 2006) con quien estudio en Hamburgo. Su música usa usualmente ensambles poco comunes e instrumentos electrónicos, aunque también ha usado formas más tradicionales. La alta carga idiosincrática de su música puede compararse con la de su maestro Ligeti. En su música son las diferencias sutiles de tiempo y altura del sonido las que mantienen al escucha interesado y las que le confieren gran parte de su carga lírica y expresiva. Su estilo es altamente abstracto; de su obra ella misma ha dicho que trata de transportar a música visiones de sueños suyos, en concreto luces, colores… esta cualidad abstracta y remota es la que llena emocionalmente sus composiciones.

Gabriela Ortiz, México, 1964

Nació en la ciudad de México donde estudió composición con Mario Lavista en el conservatorio nacional de música y después con Federico Ibarra en la UNAM. Gabriela Ortiz es actualmente reconocida internacionalmente como una de las voces musicales más importantes de México, sus obras actualmente han sido tocadas por todo el mundo y lo mismo por agrupaciones mexicanas como el trío de las Américas en México, que fuera de México por músicos como el famoso Kronos Quartet. El catalogo de Gabriela Ortiz abarca tanto música orquestal, para piano solo, música electroacústica, de cámara e incluso una ópera; “Unicamente la verdad” (1997). Su música se distingue por su sincretismo. En su música están la tradición europea, los recursos nuevos propios de la música contemporánea y del jazz mezclados con elementos mexicanos, procedentes incluso del México prehispánico. Este mezcla puede ser apreciada e obras como Patios (1989) para orquesta sinfónica y Altar de muertos (1997) para cuarteto de cuerdas acompañado de tambores de agua prehispánicos. De destacar son composiciones como “Baalkah” para cuarteto de cuerdas y soprano cantando en maya.

Alice Coltrane (de soltera Alice McLeod) 1937-2007

Alice & John

Una figura de vital importancia en el Jazz. Alice Coltrane sería la compañera del legendario Jazzman John Coltrane en sus últimos años. Además de ser su compañera sentimental, Alice será la pianista del último combo lidereado por su esposo desde 1965 hasta 1967, año de la muerte de John y la más cercana a él en sus exploraciones musicales espirituales y complicadísimas de los últimos años. Antes de ocupar el lugar de McCoy Tyner, el pianista original en el cuarteto de John Coltrane, Alice había ejecutado el Arpa lo que después influiría en la formación de su estilo arpegiado y difuso en el piano, más apropiado que el percusivo de Tyner para las últimas sesiones musicales que compartiría con su esposo. Para escuchar uno de los últimos legados sonoros de los dos vale la pena “Expression” de 1967, grabado poco antes de la muerte de John. Alice seguiría con su carrera en el Jazz hasta su muerte apenas el 12 de Enero de este mismo año.

El sentido de la vida

Dos compositores contemporáneos

Esta es la primer entrega de "disonancias" columna que escribo para el suplemento cultural del periodico el sol de Zacatecas. Espero les guste.

Dos (02) compositores contemporáneos
¿Porque normalmente escuchamos poca música contemporánea? ¿Es acaso que la música de estos tiempos es más difícil de apreciar que, digamos, la pintura de estos? ¿O que esamos tan acostumbrados a la música de siglos pasados que hace la mayor parte del repertorio que se toca actualmente que se nos olvida que se hizo música antes de ellos y que hoy también se hace música? Tal vez la música de estos tiempos parece difícil de escuchar al grueso del público después de mucho tiempo de acostumbrarse a un repertorio que poco o nada incluye de contemporáneo. Pero escuchar música contemporánea de concierto tiene sus recompensas. Y sí, puede que la música contemporánea sea difícil. Sin embargo y por esto mismo dejar de escucharla es privarse de una experiencia estética imposible de obtener de otra forma, como lo aseveró el músico estadounidense Aaron Copland (1900-1990) En efecto, creo que lo que podemos experimentar ahora en la música contemporánea no lo podemos encontrar en ninguna otra parte. Sirva esta pequeña introducción a dos compositores contemporáneos para acercarse a esta experiencia.


01 Valentin Silvestrov


(30 de Septiembre de 1937, Kiev, Ucrania) compositor considerado uno de los más influyentes de su generación. Silvestrov empezó a estudiar piano y composición en la escuela de música de Kiev de 1955 a 1958 y luego en el conservatorio de Kiev de 1958 a 1964 siendo alumno de composición de B. Liatoshinsky y de armonía y contrapunto de L. Revutsky. El estilo compositivo de Silvestrov se distingue por su cualidad sugestiva, lirica,… y silenciosa. Moderno y de avanzada pero preocupado por la emotividad en música. En la mayoría de sus trabajos, especialmente en los dedicados a ensambles de cámara, se alternan momentos con un volumen que apenas va por encima del pianisimo con otros sorprendentes y agitados, aunque como una constante predominan los primeros. Punto importante de su estilo es el uso de la armonía; si bien en sus trabajos ha usado lo que se llama “síntesis estilística”, la incorporación de técnicas tonales y modales tradicionales con las de avanzada, las armonías peculiares y los intervalos abiertos (más separados que la octava) son algunas de sus cualidades distintivas. Su estilo modernista enfrentó a Silvestrov con la expulsión de la unión de compositores en 1974. Silvestrov, quien prefirió retirarse del público que renunciar a su estilo, después de un breve periodo de inactividad compuso música como “silent songs” una colección de canciones sobre poetas rusos donde su manera de expresar mucho con texturas sencillas y quietas brilla, y su quinta sinfonía, inspirada por la obra de compositores románticos tardíos (principalmente Mahler) y considerada por muchos una obra maestra.
Para escuchar: Cuarteto de cuerdas No.1 (1974)

02 Arvo Pärt

(11 de Septiembe de 1935, Paide, Estonia) El trabajo de Pärt ha ido y venido por muchos cambios estilísticos, cambios que incluso han hecho que algunas de sus obras de distintos periodos parezcan irreconocibles como provenientes del mismo compositor. Sin embargo como escucha hay una constante a encontrar: la espiritualidad de la que están cargadas todas sus obras y que lo hace uno de los compositores contemporáneos más interesantes. Part estudió música primero en Rakvere y más adelante en el coservatorio de de Tallin al que ingresó en 1957 teniendo como maestro de composición a Heino Heller. Aunque para la fecha del nacimiento de Part Estonia era un estado independiente, fue ocupada por la unión sovietica en 1940, lo que luego sería factor importante en el desarrollo de Pärt. En la antigua unión sovietica no podía tener gran acceso a la música producida por sus contemporáneos en el oeste (como Schnittke o Ligeti), más que por medios no oficiales. Aún así fue el primer compositor Estonio en componer una pieza con el método serial, al que estuvo apegado en los inicios de los sesentas. Luego realizaría experimentos con otros estilos a los que respondería él mismo con periodos de silencio y aparente inactividad que aprovechó para estudiar la música de compositores Franco-Flamencos del renacimiento. Pärt regresó a la escena en 1976 con una técnica inventada por él mismo y a la que se ha apegado casi religiosamente, denominada por el mismo “tintinnabuli” es totalmente propia aunque lo ha hecho ser identificado como un compositor minimalista. Sólo puedo recordar algo similar a la impresión que me causo por primera vez la escucha de su “Fratres” para violín y piano en algunos trabajos para violín sólo de J.S. Bach. Tal vez por esa espiritualidad que sale de cada nota.
Para escuchar: Tabula Rasa

Like Minds (1998)

Poco que decir. basta ver al Personal involucrado:
Gary Burton, vibrafono; Chick Corea, piano; Pat Metheny, guitarra; Roy Haynes, batería; Dave Holland, bajo.
Y ya.
Discazo de Jazz. A conseguirlo.

L´art es inutile

(El arte es inútil, vuelvan a su casa)
Vautier, Ben, 1935
L´art es inutile 1971, 97x130cm.

Tender Surrender

Ultimamente he estado tan ocupado que no he podido actualizar o ponerle ondas nuevas al blog.De todos modos aqui les regalo un video que me encontré en la red de uno de mis instrumentalistas de Rock Favoritos: Steve Vai. Un tipo que tiene una técnica virtuosa e impecable y una musicalidad profunda e interesante, de los mejores. Y sí. Estoy Estudiando una carrera en música clásica pero mis gustos son bastante eclécticos.

Arvo Pärt

Arvo Pärt (11 de Septiembre 1935, Paide), compositor estonio identificado con la escuela minimalista. Es uno de los compositores contemporáneos que me han impresionado más fuertemente.

Para escuchar: "Fratres" en la versión para violín y piano

"I could compare my music to white light which contains all colours. Only a prism can divide the colours and make them appear; this prism could be the spirit of the listener."
Arvo Pärt


http://www.arvopart.info/

Andre Previn With Joe Pass & Ray Brown: After Hours

Cuando tres de los mejores músicos del jazz de finales del siglo XX se reúnen se puede obtener algo como este disco. Una hora de cool jazz perfectamente ejecutado. Gracias a los tres, dondequiera que estén.

Días extraños

Hay momentos de mi vida en los que no puedo evitar estar confundido, y justo ahora estoy pasando por uno de esos. Salir a caminar a la una de la madrugada bajo una lluvia ligera para “aclarar ideas” con contemporáneo en los audífonos y llegar a casa con la sensación de haberle dado vueltas a todas las dudas dentro de mi cabeza sólo para encontrar nuevas.
¿Qué más da? Hay que sacarle provecho.

Una cita

"Adonde quiera que un hombre mire, y sea cuál sea la tarea que emprenda, acabará siempre por volver al camino que la naturaleza le ha marcado"

Johann Wolfgang Von Goethe

La rola del mes: Jimi Hendrix

Little Wing

Well shes walking through the clouds
With a circus mind thats running round
Butterflies and zebras
And moonbeams and fairy tales
Thats all she ever thinks about
Riding with the wind...

But, when Im sad, she comes to me
With a thousand smiles, she gives to me free
Its alright cause´ she says its alright
Take anything you want from me, i said anythingAnything.
Fly on little wing,Yeah yeah.

Y para buscar: el excelentísimo cover de esta pieza que hacen Satriani, Vai y Malmsteen

¿Donde estás mi little wing?

Jacques Loussier Play Bach Trio

Jacques Loussier Play Bach Trio

La atemporalidad del barroco

Si la permanencia de la obra de un artista en este descolorido mundo puede demostrarse por la influencia que deja tras de si y por la posibilidad de nuevas y casi inagotables interpretaciones de su obra J.S. Bach es eterno. Es lo que parece demostrarnos en el siglo XXI un pianista de nombre Jacques Loussier.

Jacques Loussier ha sido uno de los “músicos inclasificables” del sigo XX. Compositor y pianista, empezó a ganar fama con su Play Bach Trio. En este trío de jazz, con él al piano más un baterista y un contrabajista que cambiaban eventualmente, empezó a explorar los arreglos jazzísticos de trabajos de J.S. Bach a las que luego dedicaría la mayor parte de su carrera. En su trío se encuentra uno de los mayores ejemplos de astucia y creatividad para interpretar a Bach, combinada sus los impecables buen gusto y respeto que le valieron la atención de músicos y melómanos alrededor del mundo, incluso de los puristas de la música clásica (que suelen ser bastante difíciles).

Para muestra el Passacaglia contenido en uno de sus primeros discos. Sobre el tema melódico original de bajo de un passacaglia barroco, cuyos ritmos son binarios y sencillos, Loussier crea ritmos sincopados e invenciones melódicas originalísimas. Después se da además el lujo de improvisar apoyado por la solidez de su sección rítmica de contrabajo y batería. El escucha simplemente se queda fascinado por esa explosión de creatividad sobre música escrita hace ya unos trescientos años.

Loussier ademas ha abordado los monumentales nocturnos de Chopin y el año pasado, con motivo de la celebración Mozart en todo el mundo, grabó con el trío los conciertos para piano 20 en Re menor y 23 en La mayor en los que el trío por primera vez es acompañado por una orquesta de cuerdas. Vale la pena escucharlo.

Los medios

La rola del mes: Tom Waits

Brother, Can You Spare A Dime?

They used to tell me I was building a dream
And so I followed the mob
When there was earth to plow, or guns to bear
I was always there, right there on the job

They used to tell me I was building a dream
With peace and glory ahead
Why should I be standing in line
Just waiting for bread

Once I built a railroad, I made it run
I made it run against time
Once I built a railroad, and now it’s done
Buddy can you spare a dime

Once I built a tower way up to the sun
With bricks and mortar and lime
Once I built a railroad, and now it’s done
Brother can you spare a dime

Once in khaki suits, gee we looked swell
Full of that Yankee Doodly Dum
Half a million boots went slogging through hell
I was the kid with the drum

Oh say, don’t you remember
You called me Al
It was Al all the time
Say, don’t you remember I was your pal
Buddy, can you spare a dime

Say, don’t you remember
You called me Al
It was Al all the time
Say, don’t you remember I was your pal
Buddy, can you spare a dime
Buddy, can you spare a dime

Cover del buen Tom Waits a una canción americana de los 30´s originalmente escrita por Edgar “Yip” Harburg. Harburg fue de las víctimas de la gran depresión americana.

De esas rolas que es difícil sacarte de la cabeza. Es ya muy lejana pero sigue vigente. Cualquier día puedes perderlo todo.

Chet Baker (1929-1988)

Chet Baker (1929-1988) trompetista de Jazz

Entre músicos surgen individuos con cualidades excepcionales de cuando en cuando. A veces algún instrumentista se distingue por su virtuosismo para ejecutar, algún otro por su sonido y claridad de tono o como improvisador, acompañante, etc. Pero diferente es cuando las cualidades que distinguen a un músico son más difíciles de describir. Tal es el caso de Chet Baker, trompetista de Jazz.

Escuchar la música de Chet Baker es meterse a terrenos extraños donde no sabe uno que esperar. Aunque era capaz también de los desplantes de virtuosismo habituales entre sus contemporáneos, su forma de tocar y su sonido lo hicieron especialmente aficionado a las piezas lentas donde podía sacar a relucir su forma de improvisar cadenciosa, sencilla hasta el punto en que uno puede decir que la melodía va desnuda, a veces lánguida, en fin, completamente distintiva. A pesar de su aparente sencillez, nadie podía tocar la trompeta como Chet Baker. Factor importante en este estilo era que a Chet le gustaba tocar “de oído”, escuchando la guía en los cambios de acordes de la pieza y dejándose llevar. Lo que incluso provocó que hubiera quien dijera que no sabía música, que sólo sabía tocar de oído (comentario completamente fuera de lugar para alguien que compartió el escenario con Gerry Mulligan, entre otros figurones). Baker además hizo fama de cantante. Sus interpretaciones de jazzes románticos como “My Funny Valentine” ó “It´s always you” como aparecen en el disco “Chet Baker sings” Pacific 1954fueron las que lo mandaron a la fama e hicieron que se le conociera como el niño bonito del cool jazz de los 50´s. Quien sabe si a él le haya gustado ser más conocido por esto que por su habilidad para el bebop en la trompeta y sus toquines con Mulligan o Russ Freeman.

Como otros tantos jazzistas la vida de Baker estuvo envuelta en escándalos y drogas. Para finales de los 50´s era adicto a la heroína y había sido arrestado varias veces. Para los 60´s dejó de tocar por cuestiones de salud personal (además de todas las consecuencias habituales de sus adicciones perdió los dientes). En los 70´s Baker empezó a tocar con dentaduras postizas y para el 74 grababa y daba conciertos regularmente. A pesar de los efectos del Alcohol, drogas, y los dientes falsos, el estilo de Baker evolucionó en esos años para dar lugar a algunos de los mejores momentos de su carrera.

Tristemente Chet Baker encontró su final en una de esas muertes extrañas y sin sentido el 13 de mayo de 1988 en Amsterdam, al caer desde la ventana del cuarto de hotel en que se hospedaba para golpear el suelo, tres pisos abajo

Ástor Piazzola New Tango Quintet: Tango Zero Hour

Genial. Justo acabo de conseguir este discazo y para describirlo no hay otra palabra más que: Genial, simplemente genial.
Piazzola formó el quinteto Nuevo Tango en 1978 ya tiempo después de haber reinventado el tango con su Octeto Buenos Aires (1955), su conjunto 9 (1971 -1972), y el primer quinteto (activo de 1960 a 1970). Sin embargo el segundo quinteto tiene un lugar especial en la evolución de Piazzola. Este disco grabado en 1978 incluye, además de al propio Piazzola en el bandoneón, al equipo formado por: Fernando Suárez Paz en el violín, Pablo Ziegler, un pianista de Jazz que para participar con Piazzola se volvió "tanguero", Horacio Malvicino, guitarrista que ya había participado con Piazzola en el octeto y fue parte importante en la incorporación de improvisación en su música y Héctor Console, contrabajista educado en música clásica y tango, para quien Piazzola escribió "contrabajísimo".

El resultado fue un disco de esos que pueden escucharse montones de veces y seguir descubriendo en ellos nuevos momentos musicalmente excelsos. Uno se pregunta como pueden caber tanta genialidad y musicalidad en los cuarenta y seis minutos que dura. Y sobre todo, escuchar al autor de partituras como: "libertango" El "gran tango" para violoncello y la rapsodia porteña para orquesta, interpretando en directo es algo de otro planeta; inspirador en verdad. Entre los momentos clave están el "concierto para quinteto" (track2) con las participaciones de cada uno de los músicos, el solo de console en "contrabajísimo" y todas y cada una de las intervenciones del bandoneón del Maestro.
Imprescindible para músicos y público en general.

Ad libitum:

Indica que el movimiento de compás se suspende y la ejecución es libre, sólo determinada por el buen gusto del ejecutante.