Those birds sitting out there on the fence...

Momentos...

2009-12-10T22:21:00.002-06:00

Por ahí del minuto cinco con la estrofa

Love will make you drink and gamble
Make you stay out all night long
Love will make you do things
That you know is wrong

Billie hace que me den unos escalofríos de aquellos...

Haikus americanos

2009-11-15T11:08:00.002-06:00

forma poética creada por Kerouac. Algo así como traer algo de la sobriedad y lo visual de la forma oriental a la popular y bizarra actualidad. Pero mejor como él lo explica.
Debo algunos míos.

"The American Haiku is not exactly the Japanese Haiku.
The Japanese Haiku is strictly disciplined to seventeen syllables but since the language structure is different
I don't think American Haikus (short three-line poems
intended to be completely packed with Void of Whole) should worry about syllables
because American speech is something again...bursting to pop.
Above all, a Haiku must be very simple and free of all poetic trickery and make
a little picture and yet be as airy and graceful as a Vivaldi Pastorella."


Algunos...

Early morning yellow flowers,
thinking about
the drunkards of Mexico.

No telegram today
only more leaves
fell.

Drunk as a hoot owl,
writing letters
by thunderstorm.

The bottoms of my shoes
are clean
from walking in the rain.

Those birds sitting
out there on the fence -
They're all going to die.

2009-11-15T10:16:00.003-06:00

Es raro volver a este blog después de un rato y ver como han cambiado cosas como mis intereses e incluso mi forma de escribir y demás. Como siempre con el pasar del tiempo, uno se descubre aborreciendo cosas que antes adoraba y visceversa. Por ejemplo, no puedo creer que haya recomendado algunas de las bandas y albúmes de los que hablo en post pasados. Pero por la curiosidad de mirar un poco hacía atras y por el ocio también, creo que seguiré manteniendo esta bitácora, aún si es solo para mí.

Monk

2009-10-13T21:46:00.004-05:00

Tenía mucho sin publicar pero aquí va. Casi no recordaba la existencia de este blog pero espero publicar algunas cosas nuevamente.

Thelonious Monk
El hombre de los sombreros raros

Un excéntrico, un místico, un desequilibrado, un noble, y una mente de una lógica musical tan genial y única que podría extrañar, e incluso asustar a cualquier desprevenido. Eso escondía aquel tipo de Barba, lentes oscuros y eterna boina, hasta que se sentaba al piano. El sonido de Monk era tan diferente a todo en un tiempo en que el jazz estaba explotando en sótanos llenos de humo y sin embargo estaba tan profundamente enraizado en el Blues que los músicos elegidos no tardaron en reconocer aquel genio que se paraba enfrente de ellos con los ojos cubiertos por unos lentes tan oscuros que casi lo dejaban ciego. Y aún más, los que pudieron se dieron cuenta que tocar con él era otra cosa. Y es que, qué se podía esperar de un tipo balanceándose sobre el piano y aporreándolo como un oso drogado.

La figura de Monk es misteriosa como una de sus piezas. No se sabe mucho de su formación más que empezó a tocar el piano desde muy pequeño y que como muchos otros genios fue esencialmente un autodidacta. Sin embargo este loco empezó a darse a notar a la par de los héroes del Bebop que tocaban en el célebre Minton´s el club de Harlem que les dio a los Boppers algo de la libertad que tanto ansiaban. La libertad de Monk fue afectada cuando le fue negada su licencia de músico (requisito para los negros que tocaban en Nueva York) un par de policías lo arrestaron por posesión de narcóticos compartiendo un auto con su amigo Bud Powell, aún si las drogas eran de Bud. Monk, negándose a delatar a su amigo para recuperar su licencia y también a ir a otra ciudad para trabajar, se convirtió por un tiempo en el mejor secreto de Nueva York por casi toda la primera mitad de los cincuentas. Estudiando en su piano en soledad, salvo por unas cuantas jams, apareciendo en algunas grabaciones y, sobre todo, desarrollando las ideas detrás de la arquitectura de su música. Cuando volvió a la luz con el álbum Brilliant Corners de 1956, sorprendió por igual a los músicos que lo habían extrañado, y a los críticos que no acababan de comprenderlo.

De ahí para delante el genio estaba libre con toda su excentricidad una serie de albumes brillantes y colaboraciones con músicos como Coltrane, (el fantástico Thelonious Monk With John Coltrane de 1957 ), Miles Davis, Art Blakey, Sonny Stitt, Gerry Mulligan, Sonny Rollins y muchos otros. Las composiciones de Monk eran tan intrincadas y sofisticadas que parecían desconcertantes y al mismo tiempo brutalmente honestas como el Blues más tradicional. Sus improvisaciones eran únicas como su forma de tocar. Parecía que Thelonious tiraba la mano en busca del último sonido pensado, la nota más inesperada, la armonía más disonante y lo que iba construyéndose era una red de sonidos tan genial que parecía llevar años en la mente de ese gran loco. Y para los estándares que dejó como Straight No Chaser, Epistrophy, Blue Monk y Round Midnight entre otros tantos, sólo puede decirse que son una completa delicia.
Solo hay que recordar que para escuchar a Monk hay que prepararse para las maravillosas posibilidades de lo inesperado. Y Vale la pena.

Nick Drake

2008-11-20T23:18:00.006-06:00

Ahh, esa díficil costumbre de que esté muerto.
Él, que podía hacerte escuchar las hojas de los árboles en un rojo día de otoño. Es raro escuchar las canciones de este cantautor inglés y luego darse cuenta de como murió de soledad, después de dejar tres discos magníficos que la gente apenas escuchó. Pero es un mundo raro.

I was born to love no one
No one to love me
Only the wind in the long green grass
The frost in a broken tree.

I was made to love magic
All its wonder to know
But you all lost that magic
Many many years ago.

I was born to use my eyes
Dream with the sun and the skies
To float away in a lifelong song
In the mist where melody flies.

I was born to sail away
Into a land of forever
Not to be tied to an old stone grave
In your land of never.

John Coltrane, Alabama

2008-09-26T18:13:00.005-05:00

A las leyendas de la música se les recuerda muy fácilmente por los momentos de brillantez y creatividad despreocupada, pero son los momentos de oscuridad los que quedan grabados más firmemente en el subconsciente de la gente. A veces es esa oscuridad lo que empuja el arte hasta sus extremos más fuertes. A veces es lo que empuja a un ser humano a escribir una de sus creaciones más sublimes, tal vez fue lo que empujo a Chopin a escribir música al enterarse de las atrocidades cometidas en una tierra a la que jamás regresaría y tal vez fue lo que empujo a un Genio del jazz a escribir, recordando un atroz suceso en Alabama.

Si bien el Jazz desde siempre fue un escaparate para el orgullo negro y para la sed de libertad de una raza oprimida en los Estados unidos, Coltrane se considero a sí mismo siempre un músico antes que un agente político. Para los 50´s Trane había estado al frente de ya dos revoluciones en el Jazz contemporaneo. Una como miembro del quinteto de Miles Davis en el clásico Albúm “Kind of Blue” de 1959 que cambió para siempre el sonido de un combo de Jazz y el enfoque a la improvisación, y otra con “Giant Steps” que expandió las concepciones armónicas y estructurales posibles en el Jazz… sólo el principio. En 1960 Trane deja el quinteto de Davis y se embarca en una serie de exploraciones musicales al frente de su propio cuarteto clásico, cada una más arriesgada que la anterior hasta llegar a “A love supreme” considerado por muchos (me incluyo) su trabajo más profundamente espiritual. En cada uno de los álbumes en el camino el saxofonista iba absorbiendo concepciones musicales de todo el mundo. Música española, (en Olé Coltrane!) estudios de armonía basados en música de compositores como Debussy y Stravinsky, su interés en las músicas autóctonas de la india como los ragas y su pasión por los ritmos y percusiones provenientes del África. Trane, desde su condición de músico afroamericano creía en la universalidad de la música.

Desde la primera protesta pacífica lanzada por Martin Luther King, un hombre que tuvo la valentía de empezar un discurso con las palabras “He tenido un sueño” los músicos de jazz decidieron estar a su lado. Desde la actitud abiertamente agitadora de sujetos como Charles Mingus O Max Roach, cuyo tema “It´s Time” es una abreviación de It´s time for Liberation o en actitudes más moderadas como la del propio Trane. El jazz se volvió música abiertamente provocadora y defensora del orgullo negro. Se dice que el arte expresa las inquietudes y anhelos de la gente de un particular periodo y el jazz en esa época expresaba el deseo de igualdad y más profundamente, de justicia.

En el mes de Septiembre de 1963 Martin Luther King decidió lanzar una protesta pacifica en Birminghamm Alabama. En cuestión de días miles de protestantes inundaron las cárceles estatales y después de diez días las autoridades se rindieron, dejándolos salir. Birminghamm fue una gran victoria para el movimiento por los derechos civiles que llevaría a protestas en más de cien otras ciudades de E.U. y culminaría en la histórica marcha a Washington. Pero eso no fue todo.

En la mañana del domingo 13 de septiembre de 1963 una dozena de palos de dinamita fueron plantados en una iglesia bautista de Birminghamm Alabama. Una explosión a las 10:45 a.m mató a cuatro niñas negras de entre once y catorce años. Trane escribió la pieza “Alabama” en respuesta al suceso.
Coltrane escuchó el discurso de King para el funeral. La pieza esta tramada imitando de cierto modo las palabras dichas por King. Un conmovedor y distante lamento de Saxofón sostenido por un sombrío ostinato de la sección rítmica se transforma en una declaración de lucha contra el racismo y por la voluntad de seguir. Una furiosa declaración hecha por un soberbio Crescendo de Trane.

Los temas de Trane se distinguen por su gran tradición y utilidad para los jóvenes jazzistas. Acercarse a ellos es una de las mejores formas de aprender improvisación e intentar Giant Steps es parte del fogueo que los instrumentistas interesados en el jazz pasan. Sin embargo “Alabama” retiene una vibra de respeto casi mística. Es fácil comprobarlo por ejemplo en todas las versiones de standards de Coltrane como “equinox” y “Giant Steps” que se pueden encontrar en grabaciones de otros jazzistas y en las casi inexistentes de Alabama. Será tal vez porque un lamento que raya en lo sublime no es algo que puede recrearse.

I don´t care....

2008-08-24T20:08:00.003-05:00

Well, i have my dreams while i´m awake

Well i have my dreams while i´m awake

I have my dreams when i´m awake
Well i have my dreams while i´m awake

I don´t care as long as it´s a long vibrating sound

I don´t care as long as it´s a vibrating bugged down sound I have my dreams while i´m awake

I don´t care as long as it´s a sound
Well i have my dreams
While i´m awake

Pasa en las películas, pasa en la vida.

2008-07-21T23:56:00.004-05:00

La industria sube los decibelios

2008-07-11T00:49:00.004-05:00

Las discográficas graban los álbumes de pop y de rock a mayor volumen y sin matices para adaptarse a los nuevos modos de consumo en móviles o MP3

XAVI SANCHO - Barcelona - 20/12/2007

"Escuchas discos modernos y te das cuenta de que son atroces. Están llenos de sonido. Nada suena definido. No hay voces, no hay nada de nada". Cuando Bob Dylan declaró esto hace un par de años en una entrevista a la revista inglesa Mojo, no estaba interpretando el papel de viejo sabio gruñón que tan bien le sienta desde hace más de una década. Estaba haciéndose eco de la penúltima víctima artística colateral de la crisis de la industria discográfica.

Los discos suenan cada vez más alto y peor, en una guerra en pos del decibelio provocada por el brusco cambio de hábitos de escucha del público y el advenimiento de formatos de reproducción poco serios y nada respetuosos con lo anteriormente conocido como música.

Así, discos de reciente edición, como el debut de Arctic Monkeys, At war with the mystics, de Flaming Lips, o incluso los Greatest hits, de Bee Gees llegan masterizados a unos niveles que llegan a estar cuatro decibelios por encima de lo recomendable.

"El otro día estaba en Ikea y sonó Wilco [banda de raíces norteamericanas, popular por la atención al detalle y a la delicadeza de sus producciones], y casi ni me enteré. Es un disco que no está hecho para sonar en Ikea, pero otros sí, y aun con ésas, suenan fatal", comenta el productor asturiano Paco Loco, propietario de un estudio de fama mundial, por donde han pasado artistas como la islandesa Björk o los británicos Manic Street Preachers. "Recuerdo una vez que estaba en EE UU y le comenté al artista que el sello me pedía que el disco sonara más fuerte. Y él me dijo: 'Ya estamos, prefieren que suene alto a que suene bien... Estamos matando la música".

Nigel Mong, de la revista norteamericana Stylus, es de esa misma opinión: "El sonido es cada vez más alto y más sucio, con menos matices. Está pensado para llamar la atención en un centro comercial o para escucharse en un coche en pleno atasco, no para sentarse en casa con los cascos a apreciar los matices de la música. Lo que han hecho con discos como el de Lily Allen o el último de Springsteen es demencial".

"La música ha perdido todo el misterio. La música es hoy algo rápido y barato, sin ideas. Otro producto cuya evolución viene marcada por las normas del mercado, no por la creatividad y las ideas", apunta Luigi Gino Castaldo, reputado crítico musical del diario italiano La Repubblica. La conversión del rock en algo de perfil mercantilista no es nueva. Puede que se encuentre en su propia idiosincrasia. Lo que sí es cierto es que jamás hasta hoy la industria había sufrido una crisis de identidad tan grande que afectara incluso al sonido de las obras.

"Hay que empezar a pensar en facturar canciones que serán machacadas en formato MP3", recuerda Carlos Narea, productor clásico del panorama patrio y que, como muchos, ha debido optar por montar su propio estudio ante la falta de presupuesto de los sellos para pagar producciones como las de antes. "No es muy distinto a lo que se hacía tiempo atrás. Grababas el disco en un casete y salías al coche y lo ponías para ver cómo se escuchaba entonces. Hoy, la mayoría de la música se consume en un formato que elimina frecuencias y con ello calidad, un formato en el que la cantidad está siempre por encima".

"Nosotros no hemos notado mucho de esto, la verdad", explican en la barcelonesa tienda de discos Revólver. "Sí, es cierto, muchos discos suenan más potentes que otros, pero esto siempre ha sido así. También es verdad que hay remasterizaciones de viejos clásicos hechas sólo para subir el volumen, mientras que las que llegan de Japón sí aumentan la calidad". "Pero, esta calidad, ¿la va realmente a notar alguien con un MP3 en el que caben 30.000 canciones? ¿Para qué demonios quieres 30.000 canciones si en el fondo no te gusta tanto la música?", reflexiona Nigel, de Stylus, entrando, claramente en otro tema.

Paco Loco, por su parte, hace un silencio entre tanto ruido y concluye. "Estaba pensando yo... Mira, no tengo ni iPod ni nada, y si quieres que te diga la verdad, por mucha tecnología y mucha tontería que haya, al final, los discos que mejor suenan siguen siendo los de Dylan o Led Zeppelin en los setenta".

Música para días lluviosos

2008-06-20T00:08:00.004-05:00

Este mes en mi ipod

2008-06-08T21:16:00.008-05:00

Este mes mi ipod esta hecho algo extraño, cosas nuevas con cosas clásicas. He aquí la muestra.

Saint Germain des Prés Café, Volúmenes varios

Una compilación de Nu-Jazz que compré solo por curiosidad y me hizo pensar que a veces, y bajo condiciones especiales la electronica puede tener su encanto. Las cosas que valen más la pena son las pistas donde se mezcla bien lo electronico con la improvisación. Lo bueno es que le sirve a cualquiera para saber que es eso del electro-jazz sin clavarse mucho, y lo malo es que como en casi cualquier compilación hay mucha basura mezclada entre lo de verdad bueno. Ah, y St Germain (el músico) es la onda, ya veo porque les gusta a los jóvenes junkies franceses.

Bill Evans – The complete riverside recordings

Porque la música de Bill Evans la disfrutaré siempre, pero sabe un poco más rico en días solitarios y cuando se tiene la suerte de ver llover un poco. Está edición contiene varias de las actuaciones más sublimes de Bill y standards que dan escalofríos.

Johannes Brahms – Doble concierto para Violín, Cello y orquesta, Versión de Mstislav Rostropovich y David Oistrakh

Brahms siempre lo llevo en mi ipod muy cerquita de mi corazón y este concierto es de mis obras favoritas. En esta versión, la comunicación entre los dos solistas es perfecta y simplemente impresionante.

Yardbirds – Blue Eyed Blues

Porque siempre es bueno traer algo de blues. Y porque siempre es bueno algo de aquella gloriosa época de los 60´s. Ya quisiera cantarle a alguna niña “Good morning little scholgirl”

Giussepe Tartini – Violin Concertos

De esas pequeñas joyas barrocas para las que siempre es bueno tomar unos momentos. Bonito para el camino a la escuela.

Dites 34 – 3=5

Jazz folklorico francés. De esas cosas que te hacen sentir orgulloso porque nadie parece conocerlos y tu los viste en un genial toquín en vivo.

Reflexiones Pop

2008-05-12T21:26:00.005-05:00

Encías Sangrantes Murphy, el Jazzman

"Bueno, déjame ponerlo de esta forma... has ido alguna vez al dentista? Yo no. Supongo que debería ir a uno, pero ya tengo suficiente dolor en mi vida como es."

Así se presenta uno de mis personajes favoritos de ese gran muestrario de cultura pop que es los Simpson. Este monito que parece una sátira del viejo jazzero barrigón y barbudo que te encuentras tocando en la calle, y que tiene mucho de Sonny Rollins, Lester Young y una vibra viejita así como de Coleman Hawkins. Murphy la caricatura apareció por primera vez tocando en un puente en la noche, parodiando la leyenda de Sonny Rollins.

Este hombre es mostrado en la caricatura como el típico caso de un músico en la miseria. Demasiado pobre para pagar un tratamiento médico, sin hijos ni familia, disminuido, su único gran éxito fue un albúm en el que su foto apenas aparece en un pequeño rincón de la portada,
con problemas de salud debidos a sus vicios, y olvidado. (en su funeral Lisa Simpson es la única que sabe de quien se trata) Pero lo que me gusta tanto de este mono es que detrás de la caricatura también está la parodia del músico que está tan entregado a su arte que simplemente no hace otra cosa, porque no quiere y no puede. Y ¿saben? de esos también hay en la vida real y son de respeto, de mucho respeto.

Wilco, Just a bunch of american aquarium drinkers

2008-05-04T20:36:00.005-05:00

O la banda que resucitó mi confianza en el rock alternativo. Wilco es un grupo de Chicago que suena a country estadounidense pasado por influencias electronicas e indie y mezclado con algo de ruido a la sonic youth. El resultado es una banda de sonido fresco y raro en el circuito americano.

Wilco empezó cuando Jeff Tweedy y Jay Farrar disolvieron Uncle Tupelo, banda seminal de los 90. Tweedy formó Wilco con los miembros originales del grupo: Si bien los inicios del grupo sonaban a Uncle Tupelo, La banda se fue embarrando de suficiente alternativo y ruidos sucios de guitarras eléctricas sin perder su esencia de revividores de la música americana, como para llegar a ser una de las bandas mas peculiares y chidas del rock alternativo de por estos años, género que parecía andar medio muerto.

El primer albúm de Wilco, A.M de 1995 es en el que hay más Uncle tupelo de todos. Ya a partir de que llegó al grupo el multiinstrumentalista Jay Benett, se encargó de poner más electronica en el sonido de Wilco. De cualquier manera al poco tiempo, dos discos y un pleito con un miembro de Sonic Youth Jay Benett estaba fuera. Por si fuera poco Wilco se quedo sin disquera para su nuevo albúm Yankee Hotel Foxtrot de 2002. Ironicamente los miembros de la banda pusieron el disco gratis para descarga en su web y tiempo después fueron firmados por Nonesuch (subsidiaria de la compañía que los había corrido) y cuando el disco salió oficialmente llegó al 12 del Billboard, para ser el disco más vendido de Wilco hasta ese entonces y también el que más me gusta personalmente. Un disco solido, disfrutable y coherente por donde se le vea. Luego salieron A Ghost is Born (2005) y la continuación de este, Sky Blue Sky en los que aparece el guitarrista de Jazz Neils Cline. (2007) Un poco más tranquilos, en ellos que pareciera que los Wilco se dedican a repasar su historia musical.

Wilco es una banda de esas que sí me dan ganas de ver en vivo, además tienen fama de sonar mejor en directo (quién lo diría en estos tiempos) Tienen rolitas de genial ironía y otras de esas que simplemente encanta escuchar.

Los días pasan como caballos salvajes sobre las colinas

2008-04-17T22:22:00.004-05:00

Es la traducción que normalmente se lee de aquel gran poema de Charles Bukowski que curiosamente fue publicado en un volumen del cual no ha salido una traducción completa. En fin, yo siempre he preferido la versión original en la que se lee

Days run away like wild horses over the hills

Por varias razones, una es esa Hermosa analogía entre los días que se van sin que uno pueda hacer nada y los caballos salvajes que corren implacables, y que se pierde en una mala traducción. Yo preferiría traducir “los días corren” pero pues que se le hace. De todos modos el sentido final esta ahí. Ah, aquellas ocasiones en las que uno solo puede quedarse mirando como el tiempo pasa fatal e inevitable.

Espontánea

2008-03-11T00:01:00.000-06:00

Quiero que mi vida pueda narrarse como prosa espontánea. Quiero que mi vida funcione como un gran rollo sin márgenes cuando intente releerlo. Quiero que funcione como una sucesión de improvisaciones en todas las tonalidades y modos. Quiero enamorarme estúpidamente muchísimas ocasiones. Quiero pasarme la vida desaliñado. Quiero presenciar lo sublime en diferentes lugares. Quiero pintar abstracto en mis ojos. Quiero ver cosas nuevas dentro de lo cotidiano. Quiero muchas cosas…

En memoria de aquel tigre de felpa

2008-01-14T16:52:00.000-06:00

El pasado 23 de diciembre de 2007 ha muerto Oscar Peterson. A veces los hechos del mundo son difíciles, pero más es tener que explicarlos. Con Oscar Peterson no se va solo un jazzista de extremo virtuosismo. Podría pasar tiempo escribiendo sobre Peterson y su increíble técnica, Peterson y sus tríos tan importantes para el jazz moderno, Peterson y su poder rítmico y su Swing tremendo, Peterson y su creatividad melódica que parecía interminable, Peterson tocando con Jon Faddis, con Ella Fitzgerald, con Joe Pass o con Ray Brown, por solo nombrar unos cuantos, Peterson alumno de alguien que a su vez había sido alumno de Franz Liszt, Peterson el que influenció a una generación de pianistas brillantes como Keith Jarret, o el Peterson que nos dejó más de 200 grabaciones entre tantos otros. Pero prefiero pasar tiempo en lo realmente bueno, aunque será difícil lo sé. Tendrá que ver que con la muerte de Peterson recordé el famoso endecasílabo de Quevedo que dice “lo fugitivo permanece y dura” (y no me pregunten más acerca de Quevedo por que no sé nada) Así que trataré de hablar un poco sobre lo importante de aquel tipo, espero me ayude un poquito que a lo fugitivo es más fácil escucharlo.

A mí Peterson me acerca a otra época con medios que no puedo describir exactamente y tal vez tengan que ver un poco en esa tremenda serie de causalidades y momentos simultáneos que expresaba cierto escritor argentino mejor que nadie en 1963 (o tal vez tenga más que ver con aquel swing tan característico). Con Peterson de veras se puede uno dejar llevar (si se quiere y se sabe como) al momento aquel en que en Viena canta Fitzgerald, en París Kenny Clarke inaugura un Cave y Satchmo está en todos lados con su ubicuidad y en el club de la serpiente se sirve otro Vodka, se escucha la primera frase de un blues y otro tanto. Mucho sentimentalismo y nostalgia pero sobre todo, el Scat de Peterson feliz aporreando los ochenta y ocho espacios blancos y negros de infinitas combinaciones causando montón de cosas que no pueden describirse, en fin, música.

Con Peterson se va el pianista y mucho más que el pianista, se van sentimientos, se van cachitos de una época que no conocí y me resulta nostálgica. Se va, como lo describiera julio Cortázar un tal Oscar Peterson, un tal pianista con algo de tigre y felpa, un tal pianista triste y gordo, un tipo al piano y la lluvia sobre la claraboya, en fin, literatura.¹

1 Rayuela (capítulo 18)

Oscar Peterson

2007-12-29T00:05:00.000-06:00

Ha muerto el legendario pianista de jazz canadiense, Oscar Peterson, falleció el día 23 pero recién me enteré. La noticia me deja muy triste, se va otra de las leyendas vivas del jazz.

Poseedor de una técnica formidable que le dejaba hacer todo lo que quisiera en el piano y una imaginación y expresión tremendas que le daban magia a todo lo que hacía, Oscar Peterson fue una de las figuras definitorias del jazz actual. Parecía que toda forma de jazz estaba a sus pies, sólo nunca hizo free, actuó junto a multitud de jazzistas importantes como Ray Brown, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Clark Terry, Joe Pass, Count Basie, y otros tantos. Su inventividad melódica es inconfundible y pianistas como Keith Jarret y Chick Corea deben mucho a su estilo, de igual manera el formato y tradición del trío de jazz a sus legendarios tríos.
Descanse en Paz.

Dejo aquí un video de Peterson genialísimo en compañia de otro grande, Joe Pas. Maravillense.

Las cosas que me gustarían para esta temporada y nadie me va a regalar

2007-12-17T14:14:00.000-06:00

Un arco nuevo de pernambuco

Chocolates

Ipod Nuevo del que sea

Un vino tinto

Este disco que quiero tanto y simplemente no he podido conseguir

John Coltrane con Eric Dolphy

Un poster de Monet o Pollock para mi cuarto

Música Clasica... para conocedores. Un par de cd´s de la Deutsche Grammophon no caen mal.

Schubert con el cuarteto italiano

Papel sabor platano o menta

Ahhhh y mucho dinero que me hace falta Cello nuevo....

Chick Corea Elektric City

2007-12-01T18:32:00.000-06:00

O porque los jazzistas no deben grabar videoclips.
Sí, la elektric band de Corea me encanta y me parece muy interesante (no su mejor proyecto) pero este tipo de cosas me hacen agradecer que no viví en los ochentas. Sólo miren al par de negros bailarines o el peinado de Patitucci... o la camisa de Chick

Dejo el link porque youtube no me deja pegar el video

Elektric City

después de verlo no he podido escuchar aquél cd con las mismas orejas...

Charles Mingus

2007-11-21T17:55:00.000-06:00

"Yo soy tres. Un hombre que permanece siempre en medio, despreocupado, inmóvil, observando, esperando a que le sea permitido expresar lo que ve a los otros dos. El segundo hombre es como un animal asustado que ataca por miedo a ser atacado. Luego está la persona extremadamente cariñosa y amable que admite a la gente en el templo más sagrado de su ser y soporta los insultos y es confiado y firma los contratos sin leerlos y le enredan para que trabaje barato o por nada y, cuando se da cuenta de lo que le han hecho, siente ganas de matar y de destruirlo todo, incluso a sí mismo."

Phillip Glass

2007-10-14T22:39:00.000-05:00

Este es un boceto para un ensayo que tenía planeado sobre compositores norteamericanos minimalistas. En el ensayo quería plantear la pregunta/tesis sobre la posibilidad de una estética musical con el silencio como principal ingrediente. Pero se me fue el tiempo y terminé entregando un pequeño texto sobre Phillip Glass. Aquí se los dejo, y debo el otro que planeo será un poco más interesante.

Phillip Glass

Creando el minimalismo musical desde las tuberías

Una de tantas cosas a admirar de los grandes compositores es la capacidad de crear en cualquier lugar y a cualquier tiempo, donde sea que se llegue a manifestar, la llamada inspiración o necesidad de crear. Si en la época decimonónica el compositor se ideaba como un personaje apacible que salia al campo por inspiración y podía escribir su música sentado apaciblemente en algún pasto, escuchando la música en su cabeza, el siglo XX ha enfrentado a los compositores de avanzada con el tener que idear su música teniendo que hacer cosas tales como manejar un taxi de la ciudad de Nueva York o navegar sus tuberías. Tal es el caso de Philip Glass y en menor medida de Steve Reich, creadores minimalistas americanos importantes de finales del siglo XX.

Philip Glass nació el 31 de enero de 1937 en Baltimore EU, nieto de inmigrantes judios de Lituania. Fue un niño precoz y pasó gran parte de su infancia en el negocio de padre, una tienda de discos, donde empezó su colección haciéndose de los discos que no se vendían y gracias al desinterés de la gente por la modernidad de aquel entonces pudo conocer a compositores tales como Paul Hindemith, Dimitri Shostakovich, Sergei Prokofiev, Erik Satie y otros, junto con la tradición occidental más conocida. En cuanto a estudios musicales empezó con la flauta en su ciudad natal para luego ir a la Julliard School of Music y después tener como maestros de composición a personajes como Darius Milhaud o Nadia Boulanger. Con quienes estudio de forma más tradicional para dedicarse después al minimalismo. Uno de los momentos más significativos en su carrera temprana fue cuando, durante el tiempo que estudiaba en París con Boulanger, conoció la corriente serialista de Pierre Boulez y decidió que el serialismo le parecía música mecánica y fría por lo que volcó su energía en lo que siempre ha sido una de las motivaciones más constantes de su carrera. Crear nueva música a la que el común de la gente pueda acercarse.

A su regreso Philip Glass fue una figura importante de la escena minimalista de Estados Unidos. Fundó un ensamble con otros músicos tales como Steve Reich, además de artistas visuales que compartían intereses parecidos. Muchas de las primeras presentaciones de música de Philip Glass tuvieron lugar en galerías de arte y no en salas de conciertos. En 1975 terminó “Einsten on the beach” ópera de su primer trilogía después completada por “Satyagraha” (1980) y “Aknahaten” (1983-1984) que le valieron el reconocimiento merecido. También en esta época Glass trabajo primero como taxista, luego plomero y además tuvo una compañía de mudanzas junto con Steve Reich para poder mantenerse económicamente. Después contaría con buen humor la risa que le produjo cuando una señorita de buena sociedad que subió a su Taxi, al ver su carnet de identificación le dijo: “señor usted no me va a creer pero se llama igual que un gran compositor de ópera contemporánea”

La obra de Philip Glass se distingue por el uso de recursos melódicos y armónicos de gran sencillez y por el predominio del ritmo, como la de gran parte de la corriente minimalista, sin embargo el mismo Glass ha dicho que no le gusta ser tomado por un compositor minimalista sino como un empleador del leit motif hasta sus extremos. Esto es, el uso de un motivo que se desarrolla a lo largo de toda la obra, Glass usa este recurso como el motor principal de sus composiciones haciendo que toda una pieza esté estructurada alrededor de motivos sencillos con variaciones ligeras y poco perceptibles, lo que le da gran parte de su sello característico y por otra parte hace que la escucha atenta sea la que más retribuye al oyente, además de hacer sufrir a los intérpretes de vez en cuando. Memorables son las anécdotas que pueden leerse en algunos libros de su autoría en las que cuenta como un solo tema suyo podía dar lugar a sesiones con otros músicos que duraban toda la noche.

En la actualidad Philip Glass ha sido reconocido como una de las voces más influyentes de la segunda mitad del siglo XX y músicos de todos generos han reconocido su influencia. Entre ellos músicos de Rock como Brian Eno, compositores para película como Danny Elfman, y algunos compositores serios. Ha colaborado con músicos tan dispares como el Kronos Kuartet, Ravi Shankar (a quien cita como una gran influencia), Aphex Twin entre muchos otros. Philip Glass ahora produce principalmente música para películas, además de hacerse cargo de su disquera POINT music y su estudio de grabación frecuentado por artistas del pop como Björk, David Bowie, Patti Smith y Lou Reed, entre muchos otros. Una de las cosas más interesantes de Glass está en haber influenciado como compositor serio el sonido de la música popular de estos tiempos. Y sí un poco el haber acercado el sonido contemporáneo al común de la gente.

Jornada del artista, por Erik Satie

2007-10-03T20:37:00.000-05:00

Aquí tienen el horario detallado de mis actividades diarias:

Me levanto a las 7:18; estoy inspirado de 10:23 a 11:47.

Almuerzo a las 12:11 y me levanto de la mesa a las 12:14.

Saludable paseo a caballo, en el fondo del parque de 13:19 a 14:53. Otra inspiración de 15:12 a 16:07.

Ocupaciones diversas (esgrima, reflexiones, inmovilidad, visitas, contemplación, destreza, natación, etc.), de 16:21 a 18:47.

La cena se sirve a las 19:16 y se termina a las 19:20. A continuación, lecturas sinfónicas en voz alta: de 20:09 a 21:59.

Me acuesto normalmente a las 23:37. Una vez por semana, despierto sobresaltado a las 3:19 (los martes).

Sólo como alimentos blancos: huevos, azúcar, huesos rallados; grasa de animales muertos; ternera, sal, coco, pollo cocido en agua blanca; mohos de fruta, arroz, nabos; morcilla alcanforada, pastas, queso (blanco), ensalada de algodón y algunos pescados (sin piel).

Me hiervo el vino, que bebo frío con jugo. Tengo apetito; pero no hablo nunca comiendo, por miedo a atragantarme.

Respiro con cuidado (poco cada vez). Bailo muy raras veces. Cuando ando voy por los lados y miro fijamente atrás.

Muy serio de aspecto, si me río es sin querer. Por eso siempre me disculpo y con educación.

Sólo duermo con un ojo; tengo un sueño muy duro. Mi cama es redonda y perforada por un agujero para que pase la cabeza. Cada hora, un criado me toma la temperatura y me pone otra.

Desde hace tiempo estoy abonado a una revista de moda. Llevo un gorro blanco, medias blancas y un chaleco blanco.

El médico me ha dicho siempre que fume. A sus consejos añade: "Fume, amigo. Si no, otro fumará en su lugar"

There´ll never be another you

2007-09-25T23:20:00.000-05:00

Nunca me había sabido tan melancólico un estándar de jazz como justo ahora. No sé si sean los acordes que le caben a tan pequeña pieza, la música de Harry Warren, o las palabras que parecen tomar más fuerza cuando ni siquiera se mencionan. De cualquier forma, improvisar líneas de bajo nunca me había dejado con tal sentimiento. Como suelo decir a veces, a la hora de improvisar uno se descubre totalmente. Ahora me parece tan cierto. Como también me parece tan cierto el título de este estándar. No habrá nunca… así como esos momentos de música improvisada no volverán a repetirse.

Sugerencia

2007-08-25T09:59:00.000-05:00

"Intenta Sacándote el saxofón de la boca"

Miles Davis a John Coltrane cuando este le dijo que sus solos eran tan largos porque no sabía cómo parar.

Este mes en mi Ipod

2007-08-11T00:18:00.000-05:00

Pues sí, esto lo debía desde hace mucho, pero no había podido. He aquí una muestra de lo que cargo conmigo este mes. En la calle, en el carro en la escuela y donde sea. Hay más, claro! pero esto es lo más destacado.

Chick Corea Elektric Band

Hard-Bop o Post-Bop del mejor. La elektric Band es una de las cosas más interesantes que ha hecho Corea para mi gusto y eso ya es decir mucho. Músicos sidemans fregones, composiciones geniales, y un Corea prendidísimo detrás de una montaña de teclados y sintetizadores. Alucinante ¡Gracias Cristi por pasarme uno de sus discazos!

Herbie Hancock – Gershwin´s World

Un disco del que deberé escribir más profundamente después. Por ahora solo diré que es uno de los discos más importantes de Herbie Hancock y de Jazz de los últimos meses. En él, Hancock rinde tributo a Gershwin de la mejor manera posible. Al lado de estándares de Gershwin y otros jazzistas de época se pueden escuchar cosas como la memorable interpretación del concierto para piano en Sol de Maurice Ravel por el mismo Hancock.

Johannes Brahms - Sexteto Op.18 y Quinteto Op. 34

La música de cámara de Brahms siempre me ha parecido de una belleza indescriptible. Estas obras en especial son obras maestras entre lo que es una producción deslumbrante.

John Coltrane - Lush Life

Un disco clásico de Coltrane que destila melancolía. Cuatro estándares y un blues, todos tratados con maestría. En las tres primeras piezas Coltrane toca con un combo que no volvería a repetir; Bajo y Batería sin piano, memorable. Y La recreación del estándar “Lush Life” soberbia y conmovedora

The Arcade Fire

Simplemente Rock Indie, Art-Rock o como se diga del bueno. Una banda interesante y diferente a las cosas comerciales que se hacen hoy día en el rockcito. Buenos arreglos, canciones bien armadas y producidas, letras inteligentes y además son de Montreal Canadá y tienen muy buenas rolitas cantadas en francés. Ya quiero que vengan a México para ir a verlos.

Art Pepper, Saxofonista de Jazz

2007-06-26T15:46:00.000-05:00

Ascendiendo la colina de Fargo Street

En el Jazz, concretamente en la historia del jazz (y más concretamente en aquella que tiene lugar entre los años 50´s y 60´s,) existen personajes cuya fama ha quedado fundada en algunos acontecimientos que vendrían a ser tal vez sus momentos centrales para la percepción del público. Por ejemplo la sesión de grabación de “Lover man” de Charlie Parker en la que este sufrió un colapso nervioso y uno raro por extramusical que ha quedado plasmado en una imagen: Art Pepper, Saxofonista, ascendiendo una colina cerca de su casa en los Angeles en fotografía de William Claxton.

Art Pepper fue un músico de jazz que se distinguió como uno de los mejores saxofonistas de raza blanca en un momento en que las distinciones entre razas estaban muy en boga. Había quien decía que se podía distinguir la raza de un músico con escuchar como tocaba. Pepper tenía un estilo y un sonido únicos que quedarían fragmentados en dos etapas, con un registro muy claro entre ambas.

Art Pepper nace en Gardena, California en 1925. Aprende desde los 9 años el clarinete y luego el saxo alto, para los 15 o 16 ya esta tocando con orquestas profesionales y para los 17 se casa. Es un chico precoz a la manera de Parker y Davis. Las cosas parecían ir bien para Pepper hasta que es llamado a filas para servir en Inglaterra, de donde regresa en 1946. Debido a la depresión que le ocasiona el haberse ido justo cuando las cosas iban bien empieza a consumir drogas y a pasar un periodo de ociosidad y abandono hasta que es llamado por Stan Kenton, músico con el que participaría hasta 1952. Participa también en grabaciones junto a Shelly Manne, Shorty Rogers o Bob Cooper, y para el sello Discovery los primeros discos bajo su nombre. En esta época es cuando junto con la fama llegan las adicciones más fuertes y el principio de sus años difíciles. Pasará primero dos años en la prisión estatal de Los Angeles de donde sale apenas el tiempo suficiente para tocar un poco antes de volver a causa de una inspección policial en su casa. A su salida en 1956 es promocionado por la critica especializada como un notable regreso y es cuando graba discos geniales como “Art Pepper + eleven” (con 11 musicazos de la west coast) o “Meets the Rythm Section” y “Getting Together” con la sección rítmica de Miles Davis. Discos con el gran mérito en ese entoces de tener a un gran saxofonista blanco con una sección rítmica de músicos de color. Sin embargo, aunque Pepper pasa por momentos de gran inspiración artística, su estado de salud es frágil y su dependencia de las drogas es demasiado. Así como la de su esposa en ese entonces; Diane. Será ella quien lo denuncie por posesión de drogas para que Art Pepper caiga de 1961 a 1964 en St Quentin, la prisión más temida de USA. Art nunca se lo perdonará. A su salida contacta con sus amigos y vuelve a los escenarios, pero solo por menos de un año. Después de un concierto es arrestado de nuevo para volver a St Quentin hasta 1966, Diane muere por un cáncer el mismo año.

En los siguientes años pareciera que Pepper toca fondo; sin dinero con deudas, adicciones y enfermedades, apenas tiene dinero para comprar un saxo y fuerzas para tocarlo. Sin embargo, Art sigue y además preparara su regreso; uno de los regresos más espectaculares del Jazz. Ingresa en un centro de recuperación por 3 años, en los que conocerá a su nueva compañera: Laurie y se limpiará de drogas (no del todo pero sí lo suficiente) El apoyo de Laurie y otros amigos será crucial para Art, estos le consiguen un “decente” trabajo de oficinista y le ayudaran a recuperar la pasión por la música. Así, el l 9 de Agosto de 1975 de nuevo de la mano de Lester Köenig graba “Living Legend” para Contemporary.

Doug Ramsey comentaba a través de Radio Free Jazz de Washington a propósito de este disco:”Living Legend” – Art Pepper ha sabido dominar al monstruo. Es un hombre más fuerte y un artista más profundo que han salido victoriosos de este combate... El oyente de este disco escuchará mucha emoción concentrada, un grito, de pronto un lamento, de pronto una exclamación de alegría, frutos de la calma conseguida con la experiencia. En un sentido, es una música autobiográfica. El testamento de su vida."

Y tal vez lo fue. Una de las recuperaciones más increíbles del jazz resultó en discos excelentes y giras en la década de los 70´s. Un testimonio de la pasión por la música y la voluntad de seguir; como el que había quedado plasmado en la fotografía de Fargo Street años antes.
El 15 de Junio de 1982 tras una hemorragia cerebral y una semana en coma en el hospital, Muere Art Pepper

Gidon Kremer, Kremerata Báltica: 8 Estaciones

2007-05-27T17:54:00.000-05:00

De este disco se pueden decir muchas cosas y tal vez yo no sea el más capacitado para decirlas.
Lo mismo de Gidon Kremer y de su Kremerata Báltica, respectivamente uno de los mejores violinistas del mundo, y una de las mejores orquestas de cámara del mundo, llamada así por reunir a jóvenes talentos de los países Bálticos y dirigida por Kremer mismo.

Baste por ahora decir que este disco me encantó, especialmente por la forma de estos músicos de abordar obras del repertorio que podrían pasar por muy típicas. Una interpretación innovadora que raya la perfección. Valen también la pena las interpretaciones de Kremer y su Camerata de las obras de Glass, Schnittke, Pärt y demás.

Este mes en mi ipod

2007-04-12T22:24:00.000-05:00

La verdad no sé porque nunca se me había ocurrido hacer una sección de este estilo en el tiempo que llevo con el blog, será por falta de tiempo o por flojera simplemente. Bueno creo que esto servirá para compartir algo de mis gustos musicales (pueden ver algo tambien aquí: http://www.last.fm/user/IsmDvs ) y de alguna manera para darle vida al blog que andaba muertillo. En fin… también servirá para que la banda me siga diciendo que soy un tipo de veinte años con gustos musicales de uno de 40 ja! tal vez lo sea.

Ok. He aquí una muestra de las cosas que hay este mes en mi querido y modesto ipod nano.

Brad Mehldau

Un pianista de jazz que lleva tiempo haciendo lo que dice el titulo de uno de sus discos: “derregulating jazz” toca canciones de Radiohead y Nick Drake como si fueran clásicos standards de jazz. Además vale la pena escucharle por sus meritos como músico y por las veces que toca con el piano preparado. Todavía no he podido conseguir los discos de Metheny-Mehldau.

Claude Debussy

Me encanta la música de Debussy, entre mis favoritos. Entre lo que escucho ahora están los nocturnes con la Cleveland Orchestra conducida por Pierre Boulez.

György Ligeti

La sonata para viola sola. ¡Maestro Ligeti! Interpreta Garth Knox.

Jaga Jazzist

Este grupo es genial, acabo de descubrirlos hace poco aunque ya llevan tiempo tocando –tonto de mí- . La mezcla de electronica y otros sonidos con jazz es su sello. Este grupo de 10 músicos entre los que están un trombón, saxofones y un Fender Rhodes junto con djs hace cosas bastante interesantes. No sé si sea jazz, electronica, jazz experimental, avant-garde, o qué, pero me gusta.

Jeff Buckley – Grace

Un clásico de rock moderno. Simplemente una colección de canciones extremadamente bien hechas… y con un mood bastante triste.

Liquid Tension Experiment

De repente me gusta el rock duro y qué mejor que esto. Progresivo con cuatro músicos expertos en lo que hacen. John Petrucci, Jordan Ruddes y Mike Portnoy de Dream Theater con Tony Levin, bajista de king crimson

Pat Metheny Group – Travels

Un disco clásico de 1982, el primero en vivo con este Pat Metheny Group. Bastante bueno y disfrutable pero no para escuchar en una sentada.

Robert Schumann – Quinteto Op. 44

Uno de mis opus favoritos de Schumann, En una muy buena interpretación del Cuarteto Kodaly con Jeno Jando

México Nueva música para cuerdas, Cuarteto Arditti

2007-03-20T22:34:00.000-06:00

Esta grabación del renombrado cuarteto Arditti es una bocanada de aire fresco para la música hecha en México. Algunas razones:

-El que la música sea toda de 6 compositores mexicanos nacidos entre 1957 y 1977
-El enorme prestigio del cuarteto Arditti en lo que a música contemporánea se refiere, si decidieron trabajar con estos compositores será por algo.
-Algunas de las composiciones del disco emplean elementos electrónicos bastante interesantes.
-El disco es consecuencia en gran parte al trabajo de “Radar” espacio de exploración sonora en México, enhorabuena.

La página de Radar: http://www.radarmx.org/

Pd.
Todavía no tengo original el cd, lo estoy consiguiendo.
Debo un comentario sobre el cuarteto Arditti.

Mujeres en la música

2007-03-10T22:51:00.000-06:00

Esta vez la entrega de disonancias estuvo dedicada a algunas mujeres en la música con motivo del 8 de marzo. Espero les guste.

Mujeres en la música

Nadia Boulanger, Francia, 1887-1979

Astor Piazzola con Nadia Boulanger

Nadia Boulanger nace en París en una familia profundamente musical. Su madre era cantante y su padre profesor en el conservatorio de París, además su familia tenía relación con el compositor Gabriel Fauré, de quien fue alumna distinguida. A pesar de su natural talento Nadia dejó de componer en 1918, después de la muerte de su hermana Lili, también compositora. Aún así Nadia Boulanger fue una mujer con mucha presencia en la música. Su labor como directora de orquesta la llevo a dirigir en la década de los treintas orquestas de gran renombre como la Filarmónica de Londres y la orquesta filarmónica de Nueva York, siendo la primera mujer en hacerlo. Además su labor como pedagoga y maestra de composición la convirtió en una maestra de gran renombre y a tener entre sus estudiantes a algunos de los músicos más destacados del siglo XX, y de estilos tan dispares como Phillip Glass, compositor minimalista de vanguardia, Aaron Copland, norteamericano, Astor Piazzola, y Darius Milhaud entre otros muchos. Parte importante es que lejos de enseñar un método de componer, Boulanger se esforzaba por llevar a sus alumnos a descubrir su propio estilo. Una figura de influencia vital en la música del siglo XX.

Unsuk Chin, Corea, 1961

Compositora coreana que tuvo la fortuna de haber sido la alumna predilecta del compositor húngaro Gyorgy Ligeti (1923 – 2006) con quien estudio en Hamburgo. Su música usa usualmente ensambles poco comunes e instrumentos electrónicos, aunque también ha usado formas más tradicionales. La alta carga idiosincrática de su música puede compararse con la de su maestro Ligeti. En su música son las diferencias sutiles de tiempo y altura del sonido las que mantienen al escucha interesado y las que le confieren gran parte de su carga lírica y expresiva. Su estilo es altamente abstracto; de su obra ella misma ha dicho que trata de transportar a música visiones de sueños suyos, en concreto luces, colores… esta cualidad abstracta y remota es la que llena emocionalmente sus composiciones.

Gabriela Ortiz, México, 1964

Nació en la ciudad de México donde estudió composición con Mario Lavista en el conservatorio nacional de música y después con Federico Ibarra en la UNAM. Gabriela Ortiz es actualmente reconocida internacionalmente como una de las voces musicales más importantes de México, sus obras actualmente han sido tocadas por todo el mundo y lo mismo por agrupaciones mexicanas como el trío de las Américas en México, que fuera de México por músicos como el famoso Kronos Quartet. El catalogo de Gabriela Ortiz abarca tanto música orquestal, para piano solo, música electroacústica, de cámara e incluso una ópera; “Unicamente la verdad” (1997). Su música se distingue por su sincretismo. En su música están la tradición europea, los recursos nuevos propios de la música contemporánea y del jazz mezclados con elementos mexicanos, procedentes incluso del México prehispánico. Este mezcla puede ser apreciada e obras como Patios (1989) para orquesta sinfónica y Altar de muertos (1997) para cuarteto de cuerdas acompañado de tambores de agua prehispánicos. De destacar son composiciones como “Baalkah” para cuarteto de cuerdas y soprano cantando en maya.

Alice Coltrane (de soltera Alice McLeod) 1937-2007

Alice & John

Una figura de vital importancia en el Jazz. Alice Coltrane sería la compañera del legendario Jazzman John Coltrane en sus últimos años. Además de ser su compañera sentimental, Alice será la pianista del último combo lidereado por su esposo desde 1965 hasta 1967, año de la muerte de John y la más cercana a él en sus exploraciones musicales espirituales y complicadísimas de los últimos años. Antes de ocupar el lugar de McCoy Tyner, el pianista original en el cuarteto de John Coltrane, Alice había ejecutado el Arpa lo que después influiría en la formación de su estilo arpegiado y difuso en el piano, más apropiado que el percusivo de Tyner para las últimas sesiones musicales que compartiría con su esposo. Para escuchar uno de los últimos legados sonoros de los dos vale la pena “Expression” de 1967, grabado poco antes de la muerte de John. Alice seguiría con su carrera en el Jazz hasta su muerte apenas el 12 de Enero de este mismo año.

El sentido de la vida

2007-03-05T00:25:00.000-06:00

Dos compositores contemporáneos

2007-02-09T00:47:00.000-06:00

Esta es la primer entrega de "disonancias" columna que escribo para el suplemento cultural del periodico el sol de Zacatecas. Espero les guste.

Dos (02) compositores contemporáneos
¿Porque normalmente escuchamos poca música contemporánea? ¿Es acaso que la música de estos tiempos es más difícil de apreciar que, digamos, la pintura de estos? ¿O que esamos tan acostumbrados a la música de siglos pasados que hace la mayor parte del repertorio que se toca actualmente que se nos olvida que se hizo música antes de ellos y que hoy también se hace música? Tal vez la música de estos tiempos parece difícil de escuchar al grueso del público después de mucho tiempo de acostumbrarse a un repertorio que poco o nada incluye de contemporáneo. Pero escuchar música contemporánea de concierto tiene sus recompensas. Y sí, puede que la música contemporánea sea difícil. Sin embargo y por esto mismo dejar de escucharla es privarse de una experiencia estética imposible de obtener de otra forma, como lo aseveró el músico estadounidense Aaron Copland (1900-1990) En efecto, creo que lo que podemos experimentar ahora en la música contemporánea no lo podemos encontrar en ninguna otra parte. Sirva esta pequeña introducción a dos compositores contemporáneos para acercarse a esta experiencia.

01 Valentin Silvestrov

(30 de Septiembre de 1937, Kiev, Ucrania) compositor considerado uno de los más influyentes de su generación. Silvestrov empezó a estudiar piano y composición en la escuela de música de Kiev de 1955 a 1958 y luego en el conservatorio de Kiev de 1958 a 1964 siendo alumno de composición de B. Liatoshinsky y de armonía y contrapunto de L. Revutsky. El estilo compositivo de Silvestrov se distingue por su cualidad sugestiva, lirica,… y silenciosa. Moderno y de avanzada pero preocupado por la emotividad en música. En la mayoría de sus trabajos, especialmente en los dedicados a ensambles de cámara, se alternan momentos con un volumen que apenas va por encima del pianisimo con otros sorprendentes y agitados, aunque como una constante predominan los primeros. Punto importante de su estilo es el uso de la armonía; si bien en sus trabajos ha usado lo que se llama “síntesis estilística”, la incorporación de técnicas tonales y modales tradicionales con las de avanzada, las armonías peculiares y los intervalos abiertos (más separados que la octava) son algunas de sus cualidades distintivas. Su estilo modernista enfrentó a Silvestrov con la expulsión de la unión de compositores en 1974. Silvestrov, quien prefirió retirarse del público que renunciar a su estilo, después de un breve periodo de inactividad compuso música como “silent songs” una colección de canciones sobre poetas rusos donde su manera de expresar mucho con texturas sencillas y quietas brilla, y su quinta sinfonía, inspirada por la obra de compositores románticos tardíos (principalmente Mahler) y considerada por muchos una obra maestra.
Para escuchar: Cuarteto de cuerdas No.1 (1974)

02 Arvo Pärt

(11 de Septiembe de 1935, Paide, Estonia) El trabajo de Pärt ha ido y venido por muchos cambios estilísticos, cambios que incluso han hecho que algunas de sus obras de distintos periodos parezcan irreconocibles como provenientes del mismo compositor. Sin embargo como escucha hay una constante a encontrar: la espiritualidad de la que están cargadas todas sus obras y que lo hace uno de los compositores contemporáneos más interesantes. Part estudió música primero en Rakvere y más adelante en el coservatorio de de Tallin al que ingresó en 1957 teniendo como maestro de composición a Heino Heller. Aunque para la fecha del nacimiento de Part Estonia era un estado independiente, fue ocupada por la unión sovietica en 1940, lo que luego sería factor importante en el desarrollo de Pärt. En la antigua unión sovietica no podía tener gran acceso a la música producida por sus contemporáneos en el oeste (como Schnittke o Ligeti), más que por medios no oficiales. Aún así fue el primer compositor Estonio en componer una pieza con el método serial, al que estuvo apegado en los inicios de los sesentas. Luego realizaría experimentos con otros estilos a los que respondería él mismo con periodos de silencio y aparente inactividad que aprovechó para estudiar la música de compositores Franco-Flamencos del renacimiento. Pärt regresó a la escena en 1976 con una técnica inventada por él mismo y a la que se ha apegado casi religiosamente, denominada por el mismo “tintinnabuli” es totalmente propia aunque lo ha hecho ser identificado como un compositor minimalista. Sólo puedo recordar algo similar a la impresión que me causo por primera vez la escucha de su “Fratres” para violín y piano en algunos trabajos para violín sólo de J.S. Bach. Tal vez por esa espiritualidad que sale de cada nota.
Para escuchar: Tabula Rasa

Like Minds (1998)

2007-02-02T00:10:00.000-06:00

Poco que decir. basta ver al Personal involucrado:
Gary Burton, vibrafono; Chick Corea, piano; Pat Metheny, guitarra; Roy Haynes, batería; Dave Holland, bajo.
Y ya.
Discazo de Jazz. A conseguirlo.

L´art es inutile

2006-11-29T22:59:00.001-06:00

(El arte es inútil, vuelvan a su casa)
Vautier, Ben, 1935
L´art es inutile 1971, 97x130cm.

Tender Surrender

2006-11-11T15:19:00.000-06:00

Ultimamente he estado tan ocupado que no he podido actualizar o ponerle ondas nuevas al blog.De todos modos aqui les regalo un video que me encontré en la red de uno de mis instrumentalistas de Rock Favoritos: Steve Vai. Un tipo que tiene una técnica virtuosa e impecable y una musicalidad profunda e interesante, de los mejores. Y sí. Estoy Estudiando una carrera en música clásica pero mis gustos son bastante eclécticos.

Arvo Pärt

2006-10-14T11:00:00.000-05:00

Arvo Pärt (11 de Septiembre 1935, Paide), compositor estonio identificado con la escuela minimalista. Es uno de los compositores contemporáneos que me han impresionado más fuertemente.

Para escuchar: "Fratres" en la versión para violín y piano

"I could compare my music to white light which contains all colours. Only a prism can divide the colours and make them appear; this prism could be the spirit of the listener."
Arvo Pärt

http://www.arvopart.info/

Andre Previn With Joe Pass & Ray Brown: After Hours

2006-09-15T01:43:00.000-05:00

Cuando tres de los mejores músicos del jazz de finales del siglo XX se reúnen se puede obtener algo como este disco. Una hora de cool jazz perfectamente ejecutado. Gracias a los tres, dondequiera que estén.

Días extraños

2006-09-15T01:35:00.000-05:00

Hay momentos de mi vida en los que no puedo evitar estar confundido, y justo ahora estoy pasando por uno de esos. Salir a caminar a la una de la madrugada bajo una lluvia ligera para “aclarar ideas” con contemporáneo en los audífonos y llegar a casa con la sensación de haberle dado vueltas a todas las dudas dentro de mi cabeza sólo para encontrar nuevas.
¿Qué más da? Hay que sacarle provecho.

Una cita

2006-08-23T19:15:00.000-05:00

"Adonde quiera que un hombre mire, y sea cuál sea la tarea que emprenda, acabará siempre por volver al camino que la naturaleza le ha marcado"

Johann Wolfgang Von Goethe

La rola del mes: Jimi Hendrix

2006-08-12T20:55:00.000-05:00

Little Wing

Well shes walking through the clouds
With a circus mind thats running round
Butterflies and zebras
And moonbeams and fairy tales
Thats all she ever thinks about
Riding with the wind...

But, when Im sad, she comes to me
With a thousand smiles, she gives to me free
Its alright cause´ she says its alright
Take anything you want from me, i said anythingAnything.
Fly on little wing,Yeah yeah.

Y para buscar: el excelentísimo cover de esta pieza que hacen Satriani, Vai y Malmsteen

¿Donde estás mi little wing?

Jacques Loussier Play Bach Trio

2006-08-08T13:42:00.000-05:00

Jacques Loussier Play Bach Trio

La atemporalidad del barroco

Si la permanencia de la obra de un artista en este descolorido mundo puede demostrarse por la influencia que deja tras de si y por la posibilidad de nuevas y casi inagotables interpretaciones de su obra J.S. Bach es eterno. Es lo que parece demostrarnos en el siglo XXI un pianista de nombre Jacques Loussier.

Jacques Loussier ha sido uno de los “músicos inclasificables” del sigo XX. Compositor y pianista, empezó a ganar fama con su Play Bach Trio. En este trío de jazz, con él al piano más un baterista y un contrabajista que cambiaban eventualmente, empezó a explorar los arreglos jazzísticos de trabajos de J.S. Bach a las que luego dedicaría la mayor parte de su carrera. En su trío se encuentra uno de los mayores ejemplos de astucia y creatividad para interpretar a Bach, combinada sus los impecables buen gusto y respeto que le valieron la atención de músicos y melómanos alrededor del mundo, incluso de los puristas de la música clásica (que suelen ser bastante difíciles).

Para muestra el Passacaglia contenido en uno de sus primeros discos. Sobre el tema melódico original de bajo de un passacaglia barroco, cuyos ritmos son binarios y sencillos, Loussier crea ritmos sincopados e invenciones melódicas originalísimas. Después se da además el lujo de improvisar apoyado por la solidez de su sección rítmica de contrabajo y batería. El escucha simplemente se queda fascinado por esa explosión de creatividad sobre música escrita hace ya unos trescientos años.

Loussier ademas ha abordado los monumentales nocturnos de Chopin y el año pasado, con motivo de la celebración Mozart en todo el mundo, grabó con el trío los conciertos para piano 20 en Re menor y 23 en La mayor en los que el trío por primera vez es acompañado por una orquesta de cuerdas. Vale la pena escucharlo.

Los medios

2006-07-26T00:53:00.000-05:00

La rola del mes: Tom Waits

2006-07-19T23:30:00.000-05:00

Brother, Can You Spare A Dime?

They used to tell me I was building a dream
And so I followed the mob
When there was earth to plow, or guns to bear
I was always there, right there on the job

They used to tell me I was building a dream
With peace and glory ahead
Why should I be standing in line
Just waiting for bread

Once I built a railroad, I made it run
I made it run against time
Once I built a railroad, and now it’s done
Buddy can you spare a dime

Once I built a tower way up to the sun
With bricks and mortar and lime
Once I built a railroad, and now it’s done
Brother can you spare a dime

Once in khaki suits, gee we looked swell
Full of that Yankee Doodly Dum
Half a million boots went slogging through hell
I was the kid with the drum

Oh say, don’t you remember
You called me Al
It was Al all the time
Say, don’t you remember I was your pal
Buddy, can you spare a dime

Say, don’t you remember
You called me Al
It was Al all the time
Say, don’t you remember I was your pal
Buddy, can you spare a dime
Buddy, can you spare a dime

Cover del buen Tom Waits a una canción americana de los 30´s originalmente escrita por Edgar “Yip” Harburg. Harburg fue de las víctimas de la gran depresión americana.

De esas rolas que es difícil sacarte de la cabeza. Es ya muy lejana pero sigue vigente. Cualquier día puedes perderlo todo.

Chet Baker (1929-1988)

2006-07-13T00:12:00.000-05:00

Chet Baker (1929-1988) trompetista de Jazz

Entre músicos surgen individuos con cualidades excepcionales de cuando en cuando. A veces algún instrumentista se distingue por su virtuosismo para ejecutar, algún otro por su sonido y claridad de tono o como improvisador, acompañante, etc. Pero diferente es cuando las cualidades que distinguen a un músico son más difíciles de describir. Tal es el caso de Chet Baker, trompetista de Jazz.

Escuchar la música de Chet Baker es meterse a terrenos extraños donde no sabe uno que esperar. Aunque era capaz también de los desplantes de virtuosismo habituales entre sus contemporáneos, su forma de tocar y su sonido lo hicieron especialmente aficionado a las piezas lentas donde podía sacar a relucir su forma de improvisar cadenciosa, sencilla hasta el punto en que uno puede decir que la melodía va desnuda, a veces lánguida, en fin, completamente distintiva. A pesar de su aparente sencillez, nadie podía tocar la trompeta como Chet Baker. Factor importante en este estilo era que a Chet le gustaba tocar “de oído”, escuchando la guía en los cambios de acordes de la pieza y dejándose llevar. Lo que incluso provocó que hubiera quien dijera que no sabía música, que sólo sabía tocar de oído (comentario completamente fuera de lugar para alguien que compartió el escenario con Gerry Mulligan, entre otros figurones). Baker además hizo fama de cantante. Sus interpretaciones de jazzes románticos como “My Funny Valentine” ó “It´s always you” como aparecen en el disco “Chet Baker sings” Pacific 1954fueron las que lo mandaron a la fama e hicieron que se le conociera como el niño bonito del cool jazz de los 50´s. Quien sabe si a él le haya gustado ser más conocido por esto que por su habilidad para el bebop en la trompeta y sus toquines con Mulligan o Russ Freeman.

Como otros tantos jazzistas la vida de Baker estuvo envuelta en escándalos y drogas. Para finales de los 50´s era adicto a la heroína y había sido arrestado varias veces. Para los 60´s dejó de tocar por cuestiones de salud personal (además de todas las consecuencias habituales de sus adicciones perdió los dientes). En los 70´s Baker empezó a tocar con dentaduras postizas y para el 74 grababa y daba conciertos regularmente. A pesar de los efectos del Alcohol, drogas, y los dientes falsos, el estilo de Baker evolucionó en esos años para dar lugar a algunos de los mejores momentos de su carrera.

Tristemente Chet Baker encontró su final en una de esas muertes extrañas y sin sentido el 13 de mayo de 1988 en Amsterdam, al caer desde la ventana del cuarto de hotel en que se hospedaba para golpear el suelo, tres pisos abajo

Ástor Piazzola New Tango Quintet: Tango Zero Hour

2006-07-08T23:02:00.000-05:00

Genial. Justo acabo de conseguir este discazo y para describirlo no hay otra palabra más que: Genial, simplemente genial.
Piazzola formó el quinteto Nuevo Tango en 1978 ya tiempo después de haber reinventado el tango con su Octeto Buenos Aires (1955), su conjunto 9 (1971 -1972), y el primer quinteto (activo de 1960 a 1970). Sin embargo el segundo quinteto tiene un lugar especial en la evolución de Piazzola. Este disco grabado en 1978 incluye, además de al propio Piazzola en el bandoneón, al equipo formado por: Fernando Suárez Paz en el violín, Pablo Ziegler, un pianista de Jazz que para participar con Piazzola se volvió "tanguero", Horacio Malvicino, guitarrista que ya había participado con Piazzola en el octeto y fue parte importante en la incorporación de improvisación en su música y Héctor Console, contrabajista educado en música clásica y tango, para quien Piazzola escribió "contrabajísimo".

El resultado fue un disco de esos que pueden escucharse montones de veces y seguir descubriendo en ellos nuevos momentos musicalmente excelsos. Uno se pregunta como pueden caber tanta genialidad y musicalidad en los cuarenta y seis minutos que dura. Y sobre todo, escuchar al autor de partituras como: "libertango" El "gran tango" para violoncello y la rapsodia porteña para orquesta, interpretando en directo es algo de otro planeta; inspirador en verdad. Entre los momentos clave están el "concierto para quinteto" (track2) con las participaciones de cada uno de los músicos, el solo de console en "contrabajísimo" y todas y cada una de las intervenciones del bandoneón del Maestro.
Imprescindible para músicos y público en general.

Ad libitum:

2006-07-08T00:39:00.000-05:00

Indica que el movimiento de compás se suspende y la ejecución es libre, sólo determinada por el buen gusto del ejecutante.